PRIX DU HOT CLUB DE FRANCE - JAZZ

Chaque année les experts et critiques musicaux du Hot Club de France décernent plusieurs prix.
Ils sont destinés à mettre particulièrement en valeur des artistes et musiciens dont les supports (CD, vidéo, DVD), figurent parmi les meilleures parutions analysées, au cours de l'année, dans le Bulletin du HCF.
Chaque prix est remis officiellement, par le Président du Hot Club de France, ou l’un des membres du bureau spécifiquement mandaté, lors de l’une des prestations publiques des artistes concernés.

Nous présentons ici les prix décernés depuis 1993. Vous pouvez aussi consulter L'index des prix du Hot Club de France, depuis l'origine des prix (1936) jusqu'en 1992.

Choisissez la période :      2021-2023     2018-2020     2015-2017     2012-2014     2009-2011     2006-2008     2003-2005     2000-2002     1997-1999     1994-1996     1993

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MEM’ORY – “RAGTIM’ORY”
CD Frémeaux & Associés FA 8563

Chrysanthemum, The entertainer, The suffragette, Bis Scott rag, Le petit Nègre, Chicken reel, La Marseillaise, Solace, Le P’tit Quinquin, Rubber plant rag, A real slow drag, Sensation, Tiger rag

Enregistré début 2018, “Ragtim’Ory” est le deuxième disque réalisé par l’orchestreMem’Ory que dirige Michel Bonnet. Nous avions dit grand bien du premier (voir Bulletin 643 de août-septembre 2015), intitulé “Muskrat Ramble”, et se retrouvent ici les mêmes qualités, la composition de l’orchestre restant inchangée : Michel Bonnet (trompette et leader), Patrick Bacqueville (trombone et chant), Guy Bonne (clarinette), Jacques Schneck (piano), Christophe Davot (guitare), Enzo Mucci (contrebasse) et Michel Sénamaud (batterie).C’est au grand tromboniste Nouvelle-Orléans Kid Ory que rend hommage, depuis 2007, cet orchestre constitué de musiciens de tout premier plan, qui pratiquent ce style avec un tel naturel que l’on croirait entendre le fameux Kid Ory’s Creole Jazz Band. Il importe de souligner combien Michel Bonnet a déployé d’énergie, d’opiniâtreté et de talent pour atteindre ce résultat, mais aussi combien chacun des membresdu groupe contribue à cet achèvement. Ainsi, à la trompette, lorsqu’il joue dans le chapeau, Michel Bonnet est proche de Mutt Carey, avec davantage d’attaque, de mordant, tandis que, ouvert, il fait penser à des trompettes plus puissants comme Andrew Blakeney. Guy Bonne, très agile dans son emploi de tous les registres à la clarinette, à la sonorité proche de celle d’Omer Simeon et de Darnell Howard, excelle à fondre sa partie dans les ensembles et se montre convaincant en solo. Il faut mettre en avant Patrick Bacqueville, qui réussit l’impensable, se mettre dans la peau de Kid Ory : qu’il joue ouvert ou bouché (utilisant par exemple comme sourdine une boîte vide de Ricoré !), on jurerait que ses glissandos et son ‘growl’ émanent du Kid lui-même.
Un autre point fort de la formation est sa rythmique, bien soudée sans jamais être lourde. Michel Sénamaud fait revivre Minor Hall, avec ses quatre temps par mesure à la grosse caisse, ses prodigieux roulements « serrés » et l’accentuation du contretemps sur la grande cymbale pour faire monter la tension au paroxysme ; Jacques Schneck, au jeu toujours bien adapté, peut parfois évoquer Don Ewell, tandis que Christophe Davot et Enzo Mucci assurent à la perfection cette pulsation soyeuse et confortable qui caractérise les meilleurs de leurs confrères originaires de La Nouvelle-Orléans.
Ici, tout le monde est à l’unisson et swingue impétueusement des thèmes de ragtime ou apparentés. Le ragtime, c’était la première  rythmification  de la musique classique de la seconde partie du XIXe siècle ou du début du XXe. La plupart des thèmes choisis datent de cette époque, avec par exemple pour auteurs Scott Joplin ou encore Debussy avec Le petit Nègre, mais on trouve aussi un ragtime composé récemment, le Bis Scott rag de Claude Bolling. Le texte du livret par Philippe Baudoin, très documenté, donne toutes les précisions voulues sur le ragtime et les morceaux interprétés. Mis à part quatre plages : Chrysanthemum et Sensation (inspirés de leur version par Mutt Carey), The entertainer (version différente de celle du premier disque de Mem’Ory) et Tiger rag (seul thème du présent CD à avoir été interprété par le Creole Jazz Band de Kid Ory), toutes les autres sont des versions orchestrales inédites, élaborées à partir des seules partitions originales pour piano, à l’exception de deux morceaux qui ont été adaptés à l’esprit du ragtime par l’orchestre : La Marseillaise (dont nous connaissons d’autres interprétations jazzées) et Le P’tit Quinquin. Concernant cette dernière chanson, emblème des  Ch’tis , composée en 1853 à l’époque du cake-walk – ancêtre du ragtime –, une surprise attend les auditeurs : les paroles en sont chantées par Patrick Bacqueville, avec l’accent le plus authentique qui soit puisqu’il est lui-même un  Ch’ti  ; cette interprétation constitue en fait un remerciement, en forme de clin d’oeil, à Henri et Jacqueline Delhaye, deux autres  Ch’tis , membres du HCF, qui ont sponsorisé la production de cet album.
Quelques notes au fil des plages. Chrysanthemum est un thème qui se prête bien au jazz et l’auditeur est donc immédiatement conquis par de superbes rugissements de trompette, grondements de trombone et enjolivures de clarinette ; il ne reste plus qu’à savourer la suite. The Entertainer, thème fort connu et swingant, est enrichi d’un beau solo de trompette. The suffragette, joué en valse lente, s’éloigne un peu du jazz. Au contraire, Bis Scott rag, de Bolling, se prête particulièrement bien au swing ; il contient en outre un excellent et, pour une fois, assez long solo de trompette  dans le chapeau , puis une énergique intervention de trombone (exactement ce que l’on aime), enfin un remarquable solo de clarinette ; et, dans la coda, une citation de Borsalino par la trompette en guise de salut à Claude Bolling. Le petit Nègre, célèbre composition de Debussy, se prête également fort bien au swing et l’orchestre en donne une version entraînante, avec une superbe partie de trombone à la Kid Ory qui vitalise l’ensemble de l’interprétation. On admire aussi le jeu assuré, bien découpé, de Michel Bonnet ainsi que celui de Guy Bonne, fluide alors que sa clarinette conserve une sonorité charnue. Le tout  emmené  par la rythmique, qui swingue férocement. Chicken reel nous est aussi familier car il servit d’indicatif à l’émission télévisée Histoires sans paroles ; il comporte une phrase récurrente, jouée à la flûte à bec par Michel Bonnet, avant que l’orchestre n’enchaîne avec sa version ragtime. La Marseillaise est une autre des meilleures exécutions du recueil, son astucieux arrangement se montrant propice au swing. Dans la belle ballade Solace, de Scott Joplin, on retrouve la ‘spanish tinge’ chère à Jelly Roll Morton, c’est-à-dire un aspect rythmique un peu  chaloupé  ; on entend au début un duo trompette/guitare, ensuite vient le piano, puis l’orchestre. Après Le P’tit Quinquin, fort réussi dans son genre, vient Rubber plant rag, solidement swingué, surtout connu au travers de l’emprunt qu’en a fait Sidney Bechet en 1950, le rebaptisant Moulin à café. A real slow drag, tiré de l’opéra-ragtime Treemonisha de Joplin, joli morceau en tempo lent qui se rapproche du classique, est chanté à deux voix au début (Patrick Bacqueville et Christophe Davot), puis à quatre (en ajoutant Guy Bonne et Michel Bonnet). L’album se termine en beauté par deux autres thèmes superbement swingués qui nous comblent : Sensation et Tiger rag. Ce CD sera disponible à partir de sa soirée officielle de présentation, prévue le vendredi 14 décembre 2018 au Jazz Café Montparnasse. (F.A.)

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PRIX SPÉCIAL DU JURY
à

DUKE ELLINGTON“THE TREASURY SHOWS Vol. 25”

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1. - Ne pas conclure à une bévue orthographique !
2. - Jean-Marie Masse fut aussi dessinateur et peintre
3. - Ainsi, p. 16, la photo du défilé à Limoges, le 4 juillet 1918, de l’American Military Band, constitué de soldats afro-américains
4. - Les erreurs sont rarissimes. On les mentionnera à l’intention des lecteurs pointilleux :

 

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Erroll’s theme – Passin' through, When your lover has gone, Dreamy, 7-11 jump, The lovin’ touch, That’s my lick, Tea for two, Misty, On the street where you live, Dancing tambourine, Erroll’s theme – Encore

 

Comment ce diable de Pierre Christophe parvient-il à entrer dans l’esprit musical d’Erroll Garner en se gardant d’en faire une copie pure et simple ? Je l’ignore, mais il y parvient. Sa musicalité, son inventivité sont en permanence sur la brèche quelle que soit la durée de la pièce enregistrée ; jamais l’intérêt ne faiblit. Misty, qui s’étend sur neuf minutes, en est la démonstration éclatante : pas une seconde de relâchement ou de distraction ‒ passionnant de bout en bout.

On admirait chez Garner cette qualité de savoir maintenir un intérêt constant et même croissant. Pierre Christophe réalise le même miracle. Je vais vous dire ceci : faute de temps, j’avais prévu d’écouter les douze plages en deux fois pour faire cette chronique. Mais je n’ai pas pu : captivé par cette musique, j'ai écouté le CD de bout en bout sans pouvoir m'en détacher tellement c’est vivant, inventif et joliment enregistré. La seule chose qui m’ait paru distinguer significativement les deux pianistes est le toucher plus européen, plus classique chez Pierre Christophe et des dons de créativité plus… comment dire ?  plus européens eux aussi. Mais en fait, c’est peut-être ce toucher plus que le phrasé ou le développement mélodique qui laissent cette impression.

Les trois musiciens qui l’accompagnent méritent aussi leur part de louange : Stan Laferrière à la batterie efficace et souple, jamais envahissant (danger redoutable et fréquent en petite formation) ; Raphaël Dever dont la partie de contrebasse, adéquate et pleine de swing, fournit en outre un des plus beaux sons ‒ si ce n’est le plus beau ‒ des générations actuelles. Quant aux congas, qui ont plutôt tendance à me faire tordre le nez à cause de ce côté « latino » qui convient si peu au jazz, Laurent Bataille parvient à me convaincre de leur adéquation avec la partie de piano grâce à une intégration parfaite et un son ferme de l’instrument loin des bruits habituels de lavabo qui se vide. Surtout est appréciable sa mise en place rythmique favorable au swing, absolument épargnée par ce maniérisme exotique si souvent redoutable. Louis Armstrong, Ella Fitzgerald et d’autres ont su, comme Garner, tirer le meilleur parti et un swing intense de ces rythmes étrangers au jazz. Jelly Roll Morton ne faisait-il pas quelque chose d’équivalent avec sa ‘Spanish tinge’ ?

Ne me demandez pas ma plage préférée : tout est épatant, jusqu’à l’intrigant Tea for two interprété de façon pour le moins inhabituelle, mais avec quel swing ! Erroll Garner en avait donné une version, jouée en partie sur harpsichord1, pleine d’humour et d’esprit et sur des rythmes tirés du célèbre mambo, parmi d’autres incursions en territoire caraïbe.

C'est au cours d’un concert Jazz in Vaux, donné à Vaux-sur-Mer près de Royan, que ce CD a été enregistré par Carl Schlosser et masterisé par François Biensan. Connaissant leurs compétences, rien d’étonnant à ce que le résultat soit superbe. En outre, les morceaux extraits du concert pour ce CD ont été intelligemment choisis car, à côté de quelques « incontournables », on y trouve une majorité de thèmes peu rebattus.

J’ajouterai enfin que l’illustration de la couverture de pochette représentant Erroll assis devant son piano sur un tabouret rehaussé d’une pile de documents, est due au crayon incomparable de Michel ‘Boss’ Quéraud dont on débat encore pour savoir s’il est d’abord un grand dessinateur, un grand trompette ou un grand clarinettiste… et par-dessus tout un homme charmant qui a su rappeler ce que l’on voyait en effet sur scène et ainsi évoquer la petite taille de Garner avec humour et gentillesse.

Même si vous possédez des piles de disques d’Erroll Garner, précipitez-vous sans hésitation pour vous procurer ce disque du Pierre Christophe Quartet 2.

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7:33 to Bayonne, Don’t be afraid baby, Esquire bounce, You can’t loose (sic) a broken heart, Time on my hands, Victory stride, Foolin’ myself, Squatty roo, She’s funny that way, Between the devil and the deep blue sea, I’ve got the world on a string, Ballad medley (September song / My one and only love / Cocktail for two), If dreams come true, La ligne claire

 

Cette fumante session a été enregistrée au Théâtre de Bayonne qui a seArvi pour l’occasion de « studio » ; c’était en octobre 2015, mais elle n’a été éditée que tout récemment. Fait marquant, il s’agit d’un concept tout à fait original puisque ce trio était constitué d’un trompettiste, d’un saxophoniste ténor et d’un pianiste. Avec respectivement pour interprètes : Jérôme Etcheberry, Michel Pastre et Louis Mazetier. Autrement dit, trois parmi les meilleurs musiciens français qui se puissent réunir. La cohésion, la précision du jeu, l’inspiration des trois protagonistes font de cet opus une totale réussite. Pour pallier l’absence de basse et de batterie, Louis Mazetier avait en charge d’occuper tout l’espace de la rythmique, ce qu’il fit avec brio grâce à son robuste jeu de main gauche.

La session s’ouvre avec 7:33 to Bayonne (en référence à l’horaire du train qu’avait pris Jérôme Etcheberry pour se rendre à Bayonne). C’est une agréable composition du trompettiste qui met immédiatement tout le monde dans le bain. Passons à Esquire bounce, pris sur un tempo médium/rapide bien balancé et permettant aux deux souffleurs de se mettre en valeur, soutenus par une pompe robuste de Louis Mazetier. James P. Johnson est à l’honneur avec sa belle composition You can’t lose a broken heart1  (Pierre Christophe regrettait que ce thème soit fort peu joué : voilà qui le réjouira). Michel Pastre est mis à contribution sur ce morceau qu’il exécute avec délicatesse et feeling, porté par une pompe appuyée de Louis Mazetier, celui-ci prenant aussi un bon solo. Time on my hands est traité dans le même esprit, avec un certain côté intimiste, et bénéficie d’un solo bien articulé de Jérôme Etcheberry. Autre œuvre signée James P. Johnson, le célèbre Victory stride, trop rarement jouée elle aussi. C’est une face jubilatoire démarrant en trombe, exposée tout en puissance par les souffleurs. Jérôme Etcheberry, en jouant ouvert, poursuit de fringante façon, suivi par ses deux comparses tout aussi swingants qu’efficaces. Squatty roo est une rutilante version du fameux thème de Johnny Hodges, là encore parfaitement menée par le saxophone et la trompette, précédant une vivifiante intervention de Louis Mazetier mélodieuse à souhait. Belle version de Between the devil and the deep blue sea, marquée par un solide échange auquel se livrent les deux souffleurs, laissant la place au pianiste très incisif puis au trompettiste qui joue fermé. Précisons que, tout au long de ce disque, Jérôme Etcheberry utilise différents types de sourdines, créant ainsi un climat musical aussi riche que varié. Le trompettiste ouvre le Ballad medley avec September song qu’il développe avec beaucoup de verve et d’expressivité, accompagné par Louis Mazetier. Ce dernier enchaîne, seul, avec My one and only love, au cours duquel il fait étalage de sa grande classe. Michel Pastre, unique soliste de Cocktail for two joué avec chaleur et lyrisme, ferme le ban, là encore bien épaulé par le pianiste. If dreams come true est pris sur un tempo allègre, exposé par Michel Pastre, avec le trompettiste en contre-chant ; lui succèdent Louis Mazetier avec un solo aérien, puis un savoureux dialogue trompette/ténor prolongé par une coda à l’unisson. Du bel ouvrage. C’est à Louis Mazetier de conclure avec une de ses compositions, La ligne claire, qu’il détaille avec sérénité et un swing mesuré mais bien présent.

Un album de haute tenue. À acquérir sans tarder ! (C.S.)

 

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Cette nouvelle série « 1000 » de Black & Blue est consacrée à des enregistrements pris sur le vif lors de concerts donnés en 1978, à la Grande Parade du Jazz de Nice, qui fut pendant plus de quinze ans l’événement jazz-festivalier majeur français et même européen.

Ce Prix Concerts Inédits 2017 du Hot Club de France couvre :

Les CD Nice Jazz 78 chroniqués dans le Bulletin du HCF en 2017 :

- Bulletin du HCF 659 (Mars 2017) : Carrie Smith (BB 1000) - Helen Humes (BB 1001) – Mary Lou Williams (BB 1002) .

- Bulletin du HCF 662 (Juin-juillet 2017) : Illinois Jacquet (BB 1004) – Guy Lafitte (BB 1005) – Harry Edison (BB 1007) – Jonah Jones (BB 1008)

CARRIE SMITH - Nice Jazz 1978 (CD Black & Blue 1000)

When you’re smiling, Someday you’ll be sorry, Bill Bailey, She’s funny that way, My blue heaven, It’s only a paper moon, Rockin’ chair, Bourbon Street parade, I’m sitting on the top of the world, What a difference a day made, I got it bad, I’d rather drink muddy water, Love is here to stay, ‘Deed I do, Say it isn’t so, Empty bed blues, Someday I’m happy, Can’t help loving that man of mine, God bless the child, Do you want a gal like me

Voilà un bon début, dont le seul défaut est une prise de son un peu dure (surtout pour les diverses contrebasses en présence). L’affaire commence le 9 juillet 1978 et va durer jusqu’au14, séjour pendant lequel la grande chanteuse est confiée à des accompagnateurs variables, en cinq tranches de quatre morceaux : Hank Jones, Milt Hinton et Jo Jones, pour commencer (les quatre premières plages). J’ai personnellement une préférence pour la deuxième tranche et en particulier un délectable Rockin’ chair – même si Jonah Jones est un peu faiblement enregistré dans son excellent accompagnement. À souligner qu’on entend dans cette série du très bon Dicky Wells. Dans I’m sitting on the top of the world, What a difference a day made, I got it bad, I’d rather drink muddy water, apparaît une formation plus fournie (Illinois Jacquet, Pee Wee Erwin, Claude Gousset, Paul Bascomb, Dick Hyman, Pierre Michelot et Oliver Jackson) ; la suite (Love is here to stay, ‘Deed I do, Say it isn’t so, Empty bed blues) se passe avec trois saxos : Eddie Davis, Arnett Cobb et Eddie Vinson. Ce dernier donne de la voix et la réplique à la diva dans Empty bed blues, un vieux blues de Bessie Smith, où on entend également les deux ténors improviser des riffs et Arnett Cobb jouer un solo cobbien au possible. Enfin, dans les quatre derniers morceaux, Carrie Smith est accompagnée de Harry Edison et Guy Lafitte, avec une rythmique comportant Hank Jones, George Duvivier et J.C. Heard. Guy Lafitte joue magnifiquement dans Can’t help loving that man of mine, à l’accompagnement comme en solo, et Harry Edison se montre plein d’à-propos dans le God bless the child qui, en ce qui concerne la chanteuse, n’est pas particulièrement un hommage à Billie Holiday, à qui on doit ce morceau.

Carrie Smith maîtrise à merveille tous ces contextes, qu’il s’agisse de ballades ou de morceaux plus enlevés et intensément swingués… et même parfois férocement, comme le Do you want a gal like me qui termine le recueil. C’est elle qui, chaque soir, « fait » le concert, quelle que soit la formation qui l’accompagne, en s’adaptant uniquement à telle ou telle situation par le choix des tempos et des répertoires. Ceux qui se souviennent de son apparition au festival de Montauban de 1986 ont pu mesurer à quel point la dernière des grandes divas savait faire jouer ses partenaires, y compris la rythmique (dans cet album, les cinq sections rythmiques successives sont d’ailleurs irréprochables). Et tout cela dans une sorte de sérénité exempte de tout artifice. Du grand art. (LV)

 

 

 

 

 

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JO JONES ‒ “THE DRUMS BY JO JONES” Le cours démonstratif sur la batterie jazz - Frémeaux & Associés FA 5472 (2 CD) – Collection Panassié Sessions

CD 1 : Warm up solo, Basics-Gadgets-Effects, Rudiments, Rim shots-Tom tom, Home practis, Two beat-Four beat-Three beat, Drum solo n° 1, Accompaniment, Latin rhythms, Rock ‘n’ roll rhythms, Making changes, Drum solo n° 3, ColoursCD 2 CD 2 : Drum solo n° 2, Drummers I met (Baby Dodds, Josh, Unnamed drummer from St. Louis, Alvin Burroughs, A.G. Godley, Gene Krupa, Big Sid Catlett, Unnamed and unplaced drummer, Walter Johnson, Sonny Greer, Billy Gladstone, Manzie Campbell, Chick Webb, Baby Lovett, Jo Jones personal contribution), Dancers I met (Pete Nugent, Eddie Rector, Baby Laurence, Bill ‘Bojangles’ Robinson), Caravan (avec Milt Buckner)

Double album publié en des temps vinyliques (dont une édition japonaise !) par le label Jazz Odyssey en 1974 (et chroniqué par Hugues Panassié dans le Bulletin n° 233), réédité avec quelques inédits en un coffret de deux CD par le label Jazz Odyssey Records plus de trente ans après (et chroniqué par Hal Smith dans le Bulletin n° 551), le magnum opus de Jo Jones était devenu introuvable, sauf en profitant des agissements contrefacteurs de minables officines américaines qui ne méritent que le mépris de leurs contemporains et le silence des ténèbres extérieures.

C'est maintenant la maison Frémeaux & Associés qui est à même de combler cette lacune par une nouvelle publication du double CD de 2006, et ce exactement à l'identique, y compris le fameux livret bilingue qui vous permettra de suivre le grand batteur dans les commentaires de ses quelque 158 interventions musicales.

Avec ce double album, nous voici aussi bien dans l'historique que dans le fondamental. Fondamental, parce que le rythme étant la base même de toute musique, son incarnation dans le jazz est le jeu de batterie ; historique parce qu'on n'a pas d'autre exemple de la démarche consistant, pour un des véritables géants de l'instrument – le mot n'est pas trop fort –, à expliciter dans le détail son art et sa manière, le commentaire venant systématiquement compléter la musique. Le seul précédent qu'on pourrait invoquer est la série de solos enregistrés par Baby Dodds en 1946 pour Folkways, mais il ne s'agissait que d'aspects ponctuels dont le seul commentaire, à une exception près, résidait dans les titres des plages… ici, nous sommes dans une sorte d'anthologie commentée abordant toutes sortes d'aspects de l'art de la percussion et des outils qui vont avec.

Historique aussi par une sorte de démonstration – il n'y a qu'à l'écouter parler ‒ que l'histoire de sa technique et de ses pratiques est étroitement liée avec l'histoire du spectacle populaire en général : ce qui renvoie au « le jazz, c'est la vie » de Louis Armstrong.

Jo Jones professait que la batterie est le cœur de l'orchestre, et il ajoutait, de sa voix profonde et inimitable : « Si dans un groupe, le batteur n'est pas à la hauteur, vous n'entendrez simplement pas de musique. » Il était devenu batterie lui-même, et le spectacle commençait dès l'installation du matériel, moment où il valait mieux se faire discret, car il ne tolérait aucune présence autour de lui à ce moment-là. Un véritable cérémonial félin se déroulait alors, au ralenti, avec ses déballages, ses montages, ses essais, ses mises en place, le tout inscrit dans une sorte de ballet silencieux, sans un geste inutile, sans une interruption dans le mouvement. Puis il disparaissait pour se changer, n'apparaissant de nouveau qu'au dernier moment, pour faire exploser son énergie et sa science dès son entrée en scène.

Il est inutile d'insister sur la carrière et l'importance historique de Jo Jones : tout le monde sait, jusqu'au dernier wikipédien, qu'il s'agit d'un des plus grands batteurs de l'histoire du jazz et qu'il a grandement influencé ses confrères : influence qui n'est sans doute pas près de se tarir.

Il est tout autant inutile d'insister sur le contenu de ce double album, puisque, par une heureuse initiative qui remonte à la première publication de “The Drums”, le copieux livret qui va avec comporte l'intégralité des propos de Jo Jones et de leur traduction, avec les repères des nombreuses séquences musicales qui sont à votre disposition, et tout y passe, avec explications, rythmes, fûts, caisses, cymbales, accessoires et façon de s'en servir !

Après avoir fait le tour de la technique, Jo Jones, fin observateur qui connaissait son monde, présente à l'auditeur une quinzaine de ses confrères préférés – notoires ou méconnus, parfois même anonymes – et en brosse le portrait musical avec une pertinence et un sens du détail réellement étonnants. Et il ne s'en tient pas là… car, avant de devenir batteur, Jo Jones (qui avait également été trompettiste et pianiste connaissant le ‘stride’) avait été danseur. Il pensait que la musique et la danse sont tellement intimement liées que, disait-il « sans les danseurs, la musique n'est qu'un tas de notes jetées au hasard ». S'ensuivent donc à la fin de la seconde galette du coffret la présentation et le portrait de quatre des plus grandes figures de la ‘tap dance’, y compris celui du  fameux et légendaire Bill Robinson, dit ‘Bojangles’.

Grand professionnel au caractère ombrageux, technicien hors pair, Jo Jones n'aurait pas supporté la plus petite imperfection dans ce qu'il faisait. Deux ans après avoir enregistré ce qui représente aussi une sorte de testament musical, il constata par un triste matin qu'un de ses doigts avait un peu perdu de ses possibilités.

Il arrêta alors simplement de jouer.

“The Drums by Jo Jones” : il est évident qu'un tel monument mérite son sous-titre – c'est effectivement LE cours démonstratif de la batterie jazz – et qu'il devrait figurer dans la documentation de toutes les écoles de musique aussi bien que dans la « discothèque de l'honnête homme »… et ce d'autant plus que, comme nous le faisions remarquer plus haut, jamais aucune des plus grandes figures de la batterie de jazz ne s'est livré à ce genre d'exploit pédagogique, exploit qui restera donc unique en son genre.

En fait, il s'agit d'une démarche pour laquelle Jo Jones avait été beaucoup sollicité, en raison de son talent et d'une célébrité liée en particulier à son disque “Jo Jones Trio” (Everest, 1959) et aux quatorze ans qu'il passa dans l'orchestre de Count Basie, pilier d'une section rythmique que beaucoup considèrent comme restée sans équivalent. Cet enregistrement, il l'avait refusé à tout le monde, jusqu'à ce que, à l'occasion du tournage du film L'Aventure du Jazz, il finisse par céder aux arguments conjointement déployés par Hugues et Louis Panassié.

C'est que Jo Jones avait ses têtes, dans un sens comme dans l'autre, et possédait par- dessus le marché un regard très éloquent… au fait, je ne l'ai jamais vu jeter une cymbale aux pieds de quiconque, mais, pour l'avoir un peu fréquenté, je peux vous assurer qu'il en était parfaitement capable ! (L.V.)

 

La chronique de L’Aventure du Jazz rédigéé par Laurent Verdeaux est publiée dans le Bulletin du HCF 659 (Mars 2017)

 

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Le programme musical figurant sur le DVD “Le Blues de Billie Holiday” est celui qui fut chroniqué dans le Bulletin du HCF 654 lors de sa publication en CD. On invitera de ce fait les lecteurs à se reporter à l’analyse pertinente de Christian Sabouret ainsi qu’à l’information exhaustive fournie par son article (titres, personnel, identité des solistes). La chronique ci-après traitera seulement de la représentation scénique correspondante, filmée à l’Espace Culturel des Terreaux de Lausanne le 3 octobre 2015.

Une large estrade surélevée, coupée en son centre par un escalier descendant vers la scène et séparant l’orchestre du Swiss Yerba Buena en deux groupes (les cinq rythmiciens à gauche, les six « souffleurs » à droite)1 : tel se présente le sobre décor de ce spectacle monté à l’occasion du 100^e anniversaire de la naissance de Billie Holiday. C’est dans ce cadre que le scénario écrit et mis en scène par Jean Chollet se propose de narrer quelques épisodes de la vie de l’artiste et de les illustrer par la musique et le chant : en résultent vingt-deux interprétations (une seule sans vocal) séparées par un récitatif ou de brefs dialogues.

La narratrice et vocaliste n’est autre que Nicolle Rochelle, relevant le défi d’incarner Lady Day durant près de deux heures, ne quittant la scène que pour changer de toilette le temps d’un chorus instrumental. Performance donc, de chanteuse bien sûr, mais aussi de comédienne en raison de la densité de son monologue et des variations de ton qu’il imposait : il fallait en effet un vrai professionnalisme pour évoquer la personnalité complexe de Billie Holiday et rendre compte des événements tantôt heureux, tantôt douloureux, voire tragiques, de son existence. Nicolle Rochelle excelle dans ces changements de registre : c’est par exemple la joie de Billie d’enregistrer son premier disque (séquence Your mother’s son in law) ou de rencontrer Lester Young (I’ll never be the same), alternant avec la narration de ses déboires amoureux (Don’t explain) ou la brutale annonce de la mort de son père ; ailleurs, c’est sa fierté d’être engagée à l’Opera House (Swing brother swing), puis de triompher au Carnegie Hall (Night and day et With thee I swing) ou de participer au « théâtre aux armées » (The way you look tonight), s’entremêlant avec le récit des humiliations de son procès et de sa détention (Good morning heartache). Au cœur de ce parcours mouvementé, on relèvera deux séquences particulièrement prenantes : l’interprétation de Strange fruit (dont le premier couplet est exprimé en français) avec tout son arrière-plan d’atrocités et de souffrances liées à la discrimination, et celle de When it’s sleepy time down South, seul titre « imposé » par la chanteuse en hommage à Jérôme Savary, créateur du spectacle À la recherche de Joséphine qui la révéla (le thème avait été interprété lors des obsèques de l’homme de théâtre).

Comme il n’était pas question d’imiter le style vocal de Lady Day, Nicolle Rochelle se limite à en traduire les particularités les plus apparentes telles que la prononciation toujours nette, les intonations flexibles, les accentuations « traînantes » de certaines syllabes. Et comme Billie n’avait pas de formation de danseuse, celle qui tient son rôle renonce (encore que…)à sa mobilité coutumière, attrayant « contrepoint chorégraphique » de ses concerts – que l’on retrouvera, inchangé, dans l’ultime séquence en forme de « rappel » hors scénario.

L’intéressant bonus donne la parole à Béat Clerc, trompette et leader du Swiss Yerba Buena : il conte la genèse d’un projet d’autant plus novateur que le répertoire de l’orchestre était plutôt tourné vers la musique des années précédant la ‘swing era’. Se souvenant du spectacle voué « à la recherche de Joséphine », il part « à la recherche de Billie » et finit par joindre Nicole Rochelle, immédiatement séduite par cette entreprise ambitieuse. S’ensuivra un long travail de préparation (la chanteuse ne connaissait qu’un faible nombre des vingt et un thèmes choisis) et de mise en place (vous assisterez à une séance de répétition avec la vedette sans l’orchestre). Dans une brève interview, Nicolle Rochelle dit sa chance et son honneur d’avoir pris part à cette aventure réussie, mais on n’aura garde de disjoindre son talent de celui des musiciens et des arrangeurs du Swiss Yerba Buena que la chronique de Christian Sabouret avait salué sans réserve2.

En somme une représentation captivante dont on appréciera aussi la scénographie dépouillée : au hasard des séquences, quelques accessoires pour suggérer tel environnement, quelques modifications d’éclairage pour traduire telle ambiance. Le filmage, à plusieurs caméras mais économe en mouvements d’appareil, propose des plans diversifiés mais sobrement agencés.

Le Blues de Billie Holiday est un spectacle original, conçu avec intelligence et réalisé avec enthousiasme. C’est assez dire qu’on le recommandera à nos lecteurs. (J.C.) 

 

 

 

 

 

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Alors que paraissait l’article de Jacques Morgantini (voir Bulletin 657), parvenait à la rédaction la biographie de Milton Buckner due à la plume de Willard Woodward. Comment mieux commémorer le quarantième anniversaire de la disparition de celui que l’auteur qualifie d’unique ?

Structuré en dix chapitres, l’ouvrage retrace dans les moindres détails la vie personnelle et la carrière professionnelle du musicien : de St. Louis, Missouri (où il voit le jour le 10 juillet 1915), à Chicago, Illinois (où il décède le 27 juillet 1977), de Detroit (lieu de ses premiers pas dans le monde musical dès le début des années 30) aux tournées européennes des années 70. Deux périodes importantes sont particulièrement mises en valeur. La première est le double séjour (1941-1948 et 1950-1952) de Buckner au sein de l’orchestre de Lionel Hampton auquel sont consacrés trois chapitres (l’un d’eux, intitulé « On the Road with Hampton », énumère, année par année, l’itinéraire des tournées de l’orchestre à travers les États-Unis). L’auteur insiste sur le rôle essentiel de Milt, non seulement comme pianiste de la formation, mais aussi (et peut-être surtout) comme arrangeur des principaux succès hamptoniens : Hamp’s Boogie Woogie, He-Ba-Ba-Re-Bop, Goldwyn Stomp, Million Dollar Smile (chanté par Dinah Washington), Slide, Hamp, Slide, et même Flying Home, pour lequel Buckner déclarait avoir écrit une quinzaine d’arrangements (p. 20) ! Tout cela pour un salaire de misère, car Hampton avait la réputation de peu rémunérer ses musiciens, si bien qu’ils le surnommaient « Crime » parce que, c’est bien connu, « le crime ne paie pas » (p. 21).

La seconde période essentielle pour Buckner, ce sont les dix dernières années de sa vie qui forgèrent sa renommée internationale. Chaque année en effet, de 1966 à 1977, il passait une partie de l’année en Europe, se produisant « dans des clubs ou en concert […] avec des musiciens remarquables » (p. 123), parmi lesquels on peut citer Buddy Tate, Illinois Jacquet, Slam Stewart et Jo Jones. Étonné de l’accueil qui lui est chaque fois réservé, Milt écrit à sa femme : « C’est formidable de s’apercevoir qu’on est une star quelque part dans le monde. J’ai signé des milliers d’autographes et les gens me reconnaissent dans la rue… » (p. 126). L’itinéraire européen est minutieusement décrit dans le chapitre 10 intitulé à juste titre « A Star in Europe ».

Trois chapitres interrompent la stricte chronologie pour définir les caractéristiques de l’orgue Hammond (modèle B-3), pour préciser le rôle innovateur de Buckner sur l’instrument dans l’histoire du jazz, pour cerner enfin la personnalité du musicien, ‘entertainer’ dans la lignée de Fats Waller : « Fats était le meilleur des ‘showmen’, ce qui est très rare. Il y a beaucoup de bons musiciens, mais peu de ‘showmen’. Jo Jones par exemple est à la fois musicien et ‘showman’. C’est ce que j’essaie d’être. Les gens qui viennent nous écouter ne sont pas tous des musiciens. Ils ont donc besoin de comprendre et d’aimer ce que nous jouons », déclarait Milt en 1972 (p. 84). Quant au caractère du musicien, il est ainsi résumé par sa fille : « C’était un grand cœur. Quand il apparaissait, on savait que la journée serait heureuse… Il était gentil avec tout le monde, avait l’esprit ouvert et ne se plaignait jamais » (p. 88).

L’auteur, scientifique de formation, également pianiste et organiste, livre ici une biographie extrêmement documentée. Il a réuni tout ce qui pouvait être collecté sur Milton Buckner : témoignages de musiciens, programmes, affiches, articles de journaux et de magazines (le Bulletin du HCF n’est pas oublié) ; il a aussi bénéficié de l’aide précieuse de la fille aînée du musicien, Carole Buckner Aringdale, qui lui a fourni documents personnels et photographies familiales. C’est dire si l’ouvrage fourmille d’informations de première main. Enfin l’abondante production discographique est recensée à chaque étape de la carrière de Milton, et des annexes, en fin de volume, listent les compositions, les arrangements et les vidéos (essentiellement disponibles sur le site YouTube). Bibliographie et index complètent cette indispensable biographie rédigée dans un anglais très accessible. (A.C.)

 

 

                                                                                                         

 

 

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Volume 01 : Body and Soul – Coleman Hawkins & friends

Coleman Hawkins and His Orchestra : Body and soul, Basin Street blues, Lazy butterfly. Ella Fitzgerald : A-tisket a-tasket, I’ve been saving myself for you. Fats Waller and His Rhythm : Yacht Club swing, I haven’t changed a thing, Summer souvenirs/Who blew out the flame, You must have been a beautiful baby/Sixty seconds got together/I’ve got a pocket full of dreams, Alligator crawl, Spider and the fly.Lionel Hampton Jam Session : Dinah, Blues, Chinatown my Chinatown,  Stardust, Rosetta. Carl Kress : Heat wave. Emilio Caceres trio : China boy
 

Dans le Bulletin du HCF 656, Dominique Brigaud vous a narré ce conte de fées, et je vous renvoie à son article pour ce qui est des tenants et aboutissants de l’affaire. Pour enjoliver, j’ajouterai que Bill Savory, chercheur, fut l’inventeur de la gravure en 33 tours (qui portait l’autonomie des acétates de 16 pouces à presque un quart d’heure) et

qu’il travaillait à la Columbia, d’où sa présence dans les enregistrements des émissions de la CBS ou de ses épigones. Les agents artistiques se battaient alors pour obtenir la présencede la radio là où se produisaient leurs poulains, car c’était un fabuleux moyen de promotion, et c’est comme ça que le petit père Savory a dû faire son marché jazzistique,

programme après programme, et avec tout le discernement du bon musicien amateur qu’il était, saxophoniste ténor et pianiste. Il devait d’ailleurs serrer le jazz de très près, puisqu’il a fini par épouser Helen Ward, la chanteuse de l’orchestre de Benny Goodman !

Si son activité éclairée s’est interrompue en 1941, c’est parce que l’US Navy, désormais en guerre, a cravaté ce petit génie pour ses services de recherches, d’où l’apparition des radars embarqués dans les chasseurs dits « tous temps » et celle du chercheur-trouveur dans les cockpits comme pilote d’essai puis de combat. À souligner que, la paix revenue, on ne l’a pas revu pour autant du côté musical de l’existence : recravaté aussi sec (par la CIA), son talent s’est désormais exercé dans les techniques d’écoute et de contre-espionnage.

Bill Savory mourut sur son trésor en 2004, sans avoir accordé à quiconque la moindre possibilité de mettre le nez ou les oreilles dans le contenu des piles de cagettes qui encombraient son garage, et il faut rendre grâce à Gene Savouret, héritier éclairé qui a considéré tout ce bazar, promis à la décharge autorisée la plus proche, comme pièces de

musée négociables. Il faut aussi rendre grâce à Jonathan Scheuer, conservateur du Musée national du jazz de Harlem qui en a décidé l’acquisition, à Loren Schoenberg qui en a fait l’inventaire et à Doug Pomeroy qui en a assuré la restauration. Quant au juriste resté anonyme qui a réussi en terre américaine à ce qu’une publication en soit possible

sans encombre côté droits, c’est un héros de notre temps.

Le résultat est là et la série lancée. Ce premier lot s’ouvre sur du somptueux, avec un Body and soul joué par Coleman Hawkins. Le morceau bouche-trou du 11 octobre 1939 n’a pas tardé à devenir un ‘must’, et Hawk le joue souvent. Là, quelques mois plus tard, nous sommes au Fiesta Dancetaria, sur Times Square, l’établissement est une sorte de MacDo avant la lettre, mâtiné night-club, prière de jouer la musique qui va avec, bien lisse et pas trop de bruit siouplait.

Hawkins est furieux : « mon orchestre n’est pas un orchestre de miquets, nous jouons comme nous sentons devoir le faire, et pas le genre de saucisson que… qui… », etc. Finalement, il joue ce qu’il a envie de jouer et ceux qui ne sont pas contents n’ont qu’à aller se faire cuire un oeuf, justement, la cuisine est pile à côté.

Évidemment, c’est une résidence qui s’achèvera à peine commencée, mais c’est dans l’adversité qu’on reconnaît les meilleurs, et le Body and Soul enregistré à cette occasion dans le bruit de la clientèle ne manque pas de panache, surtout que Hawk fait durer le plaisir pendant presque six minutes, avec un bon coup de gueule quand l’orchestre le rejoint

aux trois quarts du morceau. S’ensuit un Basin Street blues arrangé d’une façon aussi inhabituelle que passionnante et où vous profiterez d’une formidable partie de batterie de J.C. Heard. Ça va crescendo, le chef en rajoute une couche et, quand Thelma Carpenter vient reprendre le ‘verse’ final, on peut imaginer la clientèle déjà collée au mur… s’ils voulaientde la musique de derrière les plantes vertes, les patrons ont été servis !

Le troisième morceau est une sorte d’indicatif final, très court et dévolu à l’annonce du spiqueur. On remonte le temps, nous voici au cours de l’été 1938 dans les studios de la CBS, où Ella et Chick Webb sont accompagnés par l’orchestre maison, lequel se sent des ailes

avec un batteur de ce poids. On entend très bien Chick Webb dans

A-tisket a-tasket, rudement bien envoyé par Ella dans ce contexte inhabituel. L’autre morceau est une jolie ballade, mais reste du tout-venant.

La suite se passe à l’automne de la même année, au Yacht Club, c’est le repaire de Fats et de sa tribu, et la rythmique déménage – et fait déménager… Herman Autrey et Gene Sedric sont déchaînés dans le Hold my hand qui inaugure la séquence. Le programme comporte quelques moments plus détendus, où l’on peut apprécier le côté chaleureux du ténor et le talent d’accompagnateur du trompettiste. Le ‘medley’ en tempo moyen-vif You must have been a beautiful baby/Sixty seconds got together/I’ve got a pocket full of dreams swingue ferme. Le puissant Alligator crawl, puis le Spider and the fly (dans une version très drôle) viennent conclure, en toute décontraction.

Après vérification, il ne s’agit pas d’une des soirées du Yacht Club déjà publiées en vinyles par le label G.O.J. Celle-ci se place juste après.

Et hop, c’est l’hiver, retour au studio et huit musiciens piégés dans une jam-session (dite« Jam at the ballroom », ce qui n’est pas anodin) préméditée par Martin Block, disc-jockey incontournable de l’époque. Le moment, dirigé par Lionel Hampton, est assez fantastique : pour moi, la plus grande intensité dans un album qui n’en manque pourtant pas !

Le musée harlémite en a retenu cinq plages, et les deux premières font durer le plaisir : vingt ans avant le microsillon, on est déjà dans la longue durée et les solistes ont le temps de prendre leur temps… Portés et poussés par Milt Hinton et Cozy Cole, Charlie Shavers est inépuisable et

Herschel Evans intarissable. Les trois autres, qui tiennent bien le choc, viennent de chez Benny Goodman (Vernon Brown, trombone, Dave Matthews, alto) ou Tommy Dorsey (Howard Smith, piano). Vous entendrez Dinah (moyen-vif) et Blues (moyen lent, huit minutes dans le blues jusqu’aux genoux, y compris le vocal de Hamp). Pour moi et peut être pour vous, la révélation restera ici Herschel Evans, finalement si peu entendu en disque le temps d’une très courte carrière, fabuleux musicien, sincère, engagé et direct, et qu’on retrouve un peu plus loin, en soliste d’un bout à l’autre, dans un Stardust aussi magnifique qu’inattendu. Quelle inspiration… après un coup pareil, j’en connais qui n’ont plus qu’à refondre complètement l’article EVANS, Herschel de leur dictionnaire. Dans l’intervalle et avec Lionel au piano, un remake de China stomp, déjà gravé lors d’une des séances qui lui avaient été confiées à la même époque par la maison Victor, séances auxquelles

la présente série, également détendue et axée sur le swing, ressemble d’ailleurs beaucoup. C’est toujours comme ça, avec Lionel Hampton : on ne se refait pas… en conclusion, une vigoureuse interprétation de Rosetta, où le jeune Charlie Shavers est particulièrement brillant (je ne sais pas si «la faculté de citer est un substitut commode à l’intelligence», mais l’irruption de Humoresque dans son solo est une vraie trouvaille !).

Je passe sur les deux derniers morceaux de cet album dématérialisé : Carl Kress est un guitariste intéressant et le duo de guitares acoustiques une jolie formule, mais il n’est pas en situation dans un pareil recueil. Quant au China boy expédié par la famille Caceres, c’est surtout un morceau de bravoure dans la catégorie « plus stressant, tu meurs ». Emilio Caceres, surdoué du violon, a sans doute enregistré des choses plus intéressantes.

Le fondateur du Bulletin aurait sans doute conclu : « Si vous passez à côté de ça, jeme demande pourquoi vous lisez le Bulletin. » Pour ma part, je suis trop timide pour ajouter quoi que ce soit, mais je n’en pense

pas moins !

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Volume 02 : Jumpin’ at the Woodside - The Count Basie orchestra featuring Lester Young : Honeysuckle rose, I ain’t got nobody, Rosetta, Blue and sentimental, Every tub 1, Good morning blues, Limehouse blues 1, Limehouse blues 2, Roseland shuffle 1,Texas shuffle 1, Texas shuffle 2, The Apple jump 1, Every tub 2, Jumpin’ at the Woodside, Pound cake, Roseland shuffle 2, Sent for you yesterday, Swingin’ the blues, The Apple jump 2, I never knew, Bugle call rag, One o’clock jump

 

Que dire de cette musique ? Tout cela est foudroyant et ferait exploser jusqu’à la plume morgantinienne ! Il me semble tout à fait inutile de vous faire le détail, tout est au plus haut niveau que vous puissiez imaginer et, en plus, à part le dernier morceau, c’est très bien enregistré par Mr Bill Savory, le son a une présence qu’on retrouve très rarement dans les disques « officiels » de l’époque et, en particulier, on profite pleinement des quatre éléments de la fameuse et légendaire « meilleure rythmique de l’histoire du jazz ».

Les onze premiers morceaux de ce recueil ont été enregistrés en 1938 au Famous Door, le temps de trois soirées d’été puis de trois soirées d’automne, les dix suivants au Woodside, six au printemps 1939, quatre dans l’hiver 1939-1940 et le dernier (One o’clock jump) est en fait le premier dans le temps (fin mai 1938), à l’occasion d’un « Carnaval of

Swing » qui se tenait dans le parc de Randall’s Island (une île située dans l’East River, entre

Harlem et le Bronx). Le programmateur en était Martin Block pour le compte de la station de radio WNEW, filiale de CBS (tout se tient).

Ce One o’clock jump est assez spécial, car en fait… ce n’est pas One o’clock jump ! Il s’agit d’une sorte d’ancêtre du morceau, qui avait en réalité nom Blue balls, ne comportait pas la fin popularisée par la suite et se terminait, comme vous entendrez, par un empilement de chorus de riffs joués crescendo et comme des malades. C’est le seul morceau

où le son soit un peu détérioré, sans doute par usure d’une galette trop écoutée. Tout le monde sait comment John Hammond, entendant l’orchestre de Basie sur son autoradio, a été conquis, s’est rendu à Kansas City (Reno Club) et lui a mis le pied à l’étrier. La suite a été déconcertante, car la musique de cette formation vigoureuse et proche

du blues est apparue à la limite de l’incongru dans les lieux où il a tout d’abord fait jouer l’orchestre. Après un peu d’adaptation, des apparitions à l’Apollo et au Savoy et quelques batailles d’orchestres dont cette tribu à fort tempérament est sortie la tête haute, Hammond a cherché et trouvé un point fixe, sous la forme d’une petite boîte de la 52e rue,

fermée l’été à cause de la chaleur, dévolue le reste du temps à des soirées-cabaret (attractions, vocalistes avec rythmique) et qui avait nom le Famous Door. Pour ceux qui ont connu la fameuse cave de la rue Pavée, il s’agissait à peu près des mêmes dimensions, morphologie voûtée mise à part. Les propriétaires ont trouvé parfaitement délirant (on les comprend) d’imaginer y placer quatorze musiciens additionnés de deux vocalistes, mais l’accord passait par la prise en charge par Hammond de l’installation de l’air conditionné, et pouvoir ouvrir pendant l’été ne pouvait que leur être profitable ! En fin de compte, l’orchestre y passera quatre mois, de la mi-juillet à la mi-novembre 1938, encaqué dans cinq mètres de large, la tête de la contrebasse touchant le plafond

et la section de saxes jouant par-dessus le quart de queue blanc laqué placé en enclave dans le public. Mais ce qui rend cet engagement décisif, c’est l’installation in situ d’un câble de la CBS (encore) permettant une programmation de l’orchestre plusieurs fois par semaine un peu partout à de très bonnes heures d’écoute et, au fil de ces retransmissions, ’acquisition d’une notoriété jamais démentie par la suite.

C’est l’époque où Hugues Panassié se rend à New York pour enregistrer les fameux disques que l’on sait. Le 12 octobre 1938, à peine descendu du paquebot (à sept heures du matin) et installé chez Mezz, celui-ci l’emmène après-dîner au Famous Door, où il reste jusqu’à quatre heures du matin ! Quelle journée et quelle santé… son étonnement est grand de « constater qu’un orchestre de quatorze musiciens joue dans une

salle minuscule sans assourdir les gens ». Il est ébloui par la sonorité collective des cuivres et émerveillé par la technique de Jo Jones, dont le son lui apparaît aussi porteur aux balais qu’aux baguettes. Madeleine Gautier nous a raconté, dans nos jeunes années, la manière dont Basie, l’air de penser à autre chose, enchaînait les morceaux en jouant quelques accords auxquels se joignait peu à peu, mine de rien, la rythmique, pour poursuivre et terminer ce qui était en fait un chorus lançant l’arrangement du morceau suivant. On entend le début de ces transitions dans l’enregistrement, mais c’est très vite shunté.

L’enregistrement est d’une grande qualité. Pour nous, auditeurs par ricochet, la présence de l’orchestre est telle qu’il suffit de fermer les yeux (ou la lumière) pour nous retrouver assis au creux du piano, aux pieds du guitariste et pas loin du batteur. Le reste est un swing d’ensemble dévastateur et des solos menés avec une verve et une conviction

que je n’ai retrouvées nulle part ailleurs, ce qui s’en approche le plus résultant des séances d’enregistrement de certains V Discs.

Là, vraiment, une fois parcourue la onzième plage de cette merveille virtuelle (et autrement qu’en MP3 ou sur votre autoradio, please, il y a des choses que l’on se doit de respecter),vous aurez une idée à peu près exacte de ce qu’était cet orchestre… et vous pouvez sauter à pieds joints dans les soirées du Woodside. Le Woodside Hotel était l’établissement harlémite où l’orchestre Basie séjournait quand il n’était pas en tournée, une sorte de port d’attache permettant de répéter dans

une grande pièce en demi-sous-sol, juste à côté de la salle à manger de l’hôtel (Buck Clayton racontait que, généralement, quand la répétition se terminait, tous les convives étaient en train de danser).

Le Woodside organisait des soirées dansantes, et c’est là que Bill Savory est de nouveau allé planter ses micros l’année suivante. Dans un espace naturellement plus vaste que le Famous Door, le son est différent et l’enregistrement un peu dur (mais à la hauteur). L’orchestre semble moins proche, mais il est explosif. Autour, on écoute, on danse,

l’ambiance est volcanique et on y donne de la voix (attention, vous risquez d’en faire autant et d’inquiéter votre entourage, prenez vos dispositions). Explosif, c’est le mot, et il faut souligner ici qu’il s’agit de gens jeunes : moyenne d’âge 29 ans (au moment de leur maturité collective, vous calculerez 27 ans pour Fletcher, 26 ans pour Duke, 25 ans pour Lunceford et 28 pour Chick Webb). 25-30 ans, c’est le meilleur

âge pour le sport, ce qui me rappelle des réflexions d’Hugues, qui aimait bien le parallèle avec le rugby, « ce jazz des sports » : là, on est en plein dedans, entre la puissance des uns, la finesse des autres, la synergie de l’équipe. Et puis on est entre compétiteurs, devant un public, du même âge. Alors, ça donne, et ça donne même beaucoup.

Cette plongée d’une heure dans la musique de l’orchestre de Count Basie est riche en découvertes passionnantes : l’abattage incroyable de Harry Edison, benjamin de l’orchestre (23 ans), que je n’ai jamais entendu jouer avec cette liberté et ce souffle dans les disques enregistrés en studio ; celui de Herschel Evans (j’avais beau m’y attendre, mais…) au Famous Door ; la rigueur et l’efficacité d’une rythmique où on profite enfin de la guitare ; la parenté de Jo Jones avec Chick Webb (au Woodside) ; la façon aussi dont tout tourne autour du piano comtal. Et puis cet éclairage sur Lester Young, musicien que

vous ne reconnaîtrez peut-être pas du premier coup lors de certaines de ses interventions.

Dans la première partie, c’est lui qui joue de la clarinette que lui avait offerte Benny Goodman. Dans la seconde, après la disparition d’Herschel Evans, c’est son cousin, ami et successeur Buddy Tate (plus tard mis plus en évidence) qui s’en charge. Les arrangements, riches en dynamique, sont tous de chez le bon faiseur : Fletcher Henderson, Eddie Durham, Herschel Evans, Edgar Battle, pour la plupart.

Pour en revenir à la production savoryenne du NJMH et à ces deux recueils, assortis de livrets bien documentés, vous aurez compris qu’il s’agit de quelque chose de fondamental et qui ne coûte que quatre clics et trois sous.

Le fondateur du Bulletin aurait sans doute conclu : « Si vous passez à côté de ça, jeme demande pourquoi vous lisez le Bulletin. » Pour ma part, je suis trop timide pour ajouter quoi que ce soit, mais je n’en pense

pas moins !

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Mémoire de Blues propose un film de près de quatre heures en deux parties d’égale durée, dont Jacques Morgantini est le concepteur-acteur et Jacques Gasser le réalisateur. Une jaquette soignée et un livret ntroductif agrémenté de photos déclinent une liste exhaustive de musiciens et de participants en forme de générique.

 

DVD 1 – The Genesis (1 h 53) :

Une vue panoramique d’un paysage verdoyant, une voix off désignant « une petite bourgade du sud-ouest de la France », peu après un jardin paisible dont le propriétaire vient prendre place sur un banc (ailleurs ce sera au bureau de sa discothèque) pour s’adresser à un interviewer discret non visible à l’écran… Telle se présente la séquence d’ouverture

d’une partie dont le titre de « genèse » laisse attendre un récit d’apprentissage, de fondements d’une histoire, une narration d’événements à l’origine d’une passion. De fait, Mémoire de Blues débute par la relation de souvenirs lointains de Jacques Morgantini : la

révélation à l’adolescence d’une musique hors du commun, la lecture des écrits d’Hugues Panassié dans Jazz Hot, l’entrée au Hot Club de France en 1941, la nomination en 1950 au poste de vice-président de l’association, la constitution d’une collection de disques enrichie par les échanges avec les correspondants étrangers, l’émerveillement devant les « troubadours » du blues comme Kokomo Arnold ou Sleepy John Estes, l’organisation du premier concert à Pau – avec les quarante et un spectateurs de Big Bill Broonzy…

Mais, bien vite, c’est l’évocation des rencontres personnelles avec d’éminents représentantsde la musique de blues qui prend le dessus et  captive l’attention, à commencer précisément par Big Bill accueilli en 1951 dans la demeure parentale à l’époque où Jacques était encore un « Tanguy »… Plus tard défileront, cette fois dans la maison de Gan, une pléiade de bluesmen conviés lors des tournées passant par Pau, Bayonne, Biarritz ou Bordeaux. Occasion d’une galerie de portraits dont on laissera le plaisir de la découverte en se contentant d’égrener des noms prestigieux : T-Bone Walker, John Lee Hooker, Muddy Waters, Pinetop Perkins, Buddy Guy, Memphis Slim, Johnny Shines…

Plusieurs, plus attachants ou plus étonnants, sont dessinés à traits appuyés, tels Rosetta Tharpe, Cousin Joe, Jimmy Rogers, Koko Taylor, Willie Mabon, Luther Allison, sans oublier le pittoresque Big Joe Williams avec sa guitare bricolée à neuf cordes et soninvraisemblable portefeuille.

Autant d’artistes rendus vivants par des photographies, plusieurs par des filmages sur la scène paloise et des extraits de disques, d’autres par des enregistrements privés, l’ensemble assorti de commentaires lors desquels le conteur se double du critique compétent, capable – sur un ton aisé et naturel – d’individualiser les styles instrumentauxet vocaux ou de mettre en lumière les thèmes d’inspiration et l’invention verbale

de ces créateurs attentifs aux « choses de la vie » : démarche pédagogique s’il en fut, mais si loin d’un discours rébarbatif.

 

DVD 2 – The French Connection (1 h 57)

Avec la seconde partie débute « l’aventure américaine », ou récit des voyages effectués à Chicago entre 1975 et 1978 par les Morgantini : tantôt Jacques et Marcelle avec leur fils Luc, tantôt Marcelle avec Luc, parfois accompagnés de Jean-Marie Monestier, fondateur du label Black & Blue, dont l’action en faveur du jazz est à plusieurs reprises soulignée

avec chaleur. Dès lors les extraits filmés sur place dans les cabarets chicagoans vont, en une habile complémentarité, alterner avec des séquences tournées en public à Pau, Bordeaux ou Orange, et d’autres réalisées en privé « at home ». Concernant lesimages américaines, le spectateur doit garder à l’esprit que les prises de vues ont été effectuées par des non-professionnels du cinéma : tournages avec une seule caméra, utilisation de films 8mm d’une longueur limitée, éclairages précaires en certains lieux… Mais, paradoxalement, ces conditions a priori défavorables confèrent aux documents le précieux cachet de l’authenticité. D’autant que les films n’ont pas, précise le livret, « fait

l’objet d’un traitement technique particulier » et sont présentés « sur un écran blanc virtuel comme pour une projection sur l’écran blanc traditionnel ». Ce respect pour l’originalconcerne aussi les photographies – non retouchées – et les enregistrements sonores (sur magnétophone Nagra IV-S) – étalonnés tout au plus.

La « French Connection » invite à son tour à de passionnantes rencontres, dorénavant centrées sur les bluesmen de la Windy City sollicités pour le label MCM : Homesick James, Big Voice Odom, Jimmy Johnson, Luther Johnson Jr., Magic Slim, Willie Kent, Willie James Lyons, Luther Snake Johnson, Little Mack Simmons, sans parler de leurs

multiples accompagnateurs nommément mentionnés. Au passage, Jacques Morgantini s’attarde sur certains artistes, tels Bobby King (2) (superbe guitariste prématurément disparu), Jimmy Dawkins (cicérone dont l’aide sur place fut si précieuse), John Littlejohn (brillant spécialiste du bottleneck), Hubert Sumlin (jovial « Pierrot lunaire ») ; une attention

toute particulière est accordée au « trio magique » des Aces, « la meilleure sectionrythmique de blues au monde », et à son batteur Freddy Below au talent – et à la gentillesse – hors de pair (la séquence réservée à ce groupe est l’une des plus remarquables).

On n’aura garde d’oublier qu’à la faveur de ces campagnes d’enregistrement, nombre des musiciens ci-dessus firent leurs premiers disques, virent leur carrière prendre forme et purent participer à des tournées internationales. Il n’est que d’écouter leurs prestations pour juger du bien-fondé d’une notoriété que confirme à son tour la dizaine

d’enregistrements inédits proposés en « bonus ».

 

Au long des deux parties du film, les lecteurs du Bulletin reconnaîtront la faconde à laquelle Jacques Morgantini les a accoutumés : même humour pour décrire sa rencontre avec sa future épouse ou parler de sa « tante à héritage », même plaisir de l’aparté (gentiment) provocateur, même goût pour les anecdotes piquantes narrées avec truculence.

Mais par-delà le talent du narrateur et la richesse du « documentaire musical » (comme le désigne la jaquette), il n’échappera à personne que Mémoire de Blues constitue un double hommage. Hommage d’abord à Marcelle Morgantini au souvenir de laquelle le film est dédié et que le spectateur est amené à rencontrer grâce à diverses photos, quelques apparitions filmées et deux fugitives répliques : personnalité distinguée, élégante, enjouée, tantôtmaîtresse de maison accueillante et cuisinière émérite (Marcelle Morgantini’s cassoulet,enregistra Jimmy Dawkins3), tantôt femme d’action établissant des contrats, menant (à ses frais) des séances d’enregistrement (4), s’aventurant pour filmer dans ces quartiers du South Side et du West Side de Chicago si peu recommandés aux Blancs. Entreprise audacieuse et féconde, exclusivement mue par une admiration désintéressée : « Marcelle, déclara Jimmy Dawkins en 2012, était vraiment imprégnée par la musique. C’était une femme merveilleuse qui aimait profondément le blues. » Par son label MCM, elle parvint

à donner leur chance à des artistes scandaleusement méconnus voire gnorés des compagnies locales, et ces oubliés du système éprouvèrent la fierté de « devenir quelqu’un », selon le mot de Jimmy Johnson. Pour mesurer la portée de son initiative et la gratitude unanime qu’elle suscita, on relira dans les Bulletin(s) 609 et 610 l’article publié en 2010 dans la revue américaine Living Blues sous la plume de Stuart Constable qui, entre autres manifestations de reconnaissance, cite une lettre émouvante de Jimmy Dawkins : « Très chère Marcelle, vous avez fait une bonne action en travaillant avec les artistes noirs du blues. Chaque année ils attendent la dame qui vient de France. Parfois ils me demandent : “Quand la dame va-t-elle venir de France pour faire les disques?”, car ils ne connaissent pas votre nom. Ils savent qu’ils ne pourront pas tous être enregistrés, mais vous leur donnez de l’espoir, ils savent que quelqu’un se soucie d’eux. »

Hommage enfin au Blues, musique unique qui ne saurait laisser indifférent, ainsi qu’à ses adeptes, ruraux ou citadins, confiant « sans pleurnicher » leur mal de vivre, exprimant à mots plus ou moins couverts leur révolte, par exemple face à l’injustice et la discrimination, puisque « le blues, c’est dire en chansons les émotions que l’on ressent à regarder le monde autour de soi ». Que de disques le montrent ici, depuis l’affront de l’exclusion avec Black, Brown and White de Big Bill Broonzy, jusqu’au drame personnel avec When my first wife left me de John Lee Hooker ou le poignant Love me Papa de Luther Allison… Ainsi, dans ce film, le blues, à l’encontre du méprisant classement « race records » de naguère, est salué dans sa dignité, magnifié dans sa créativité, sa vérité et sa générosité.

Servi par le filmage sobre et le montage fluide de Jacques Gasser, Mémoire de Blues est un document à nul autre pareil, qui porte témoignage, avec une rare justesse de ton et un saisissant enthousiasme, de l’engagement d’une vie.

 

Jacques Canérot (Bulletin du HCF 649)

 

1- On trouvera un récit détaillé de ces divers voyages et des séances d’enregistrement qui en résultèrent dans l’article de Jacques Morgantini paru dans le Bulletin 565 sous le titre « Marcelle Morgantini, le Blues, Chicago ». Onze LP du label MCM furent distribués par Black & Blue, plus tard diffusés en CD par Storyville avec divers compléments

2- Sur ce météore du blues que fut Bobby King, on relira l’important article de Jacques Morgantini paru voici deux ans dans le Bulletin 629

3- Jimmy Dawkins “Tribute to Orange”, LP Black & Blue 33.038

4- Nombre de ces enregistrements figurent dans le coffret de 8 CD “The Chicago Blues Box” Storyville Records 108 8612, chroniqué par André Vasset dans le Bulletin 623

5- Article « La French Connection : Marcelle Morgantini et les disques MCM », traduit pour le Bulletin par François Desbrosses

 

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I’ve got the world on a string, Somebody stole my gal, Keepin’ out of mischief now,Lullaby in rhythm, I cover the waterfront, Daintiness rag, Ain’t misbehavin’, Sugar, Sweet Lorraine, La mère Michel, On the sunny side of the street, Body and soul, F minor stride, April in my heart, It’s only a paper moon

Plutôt que d’en avoir une conception linéaire, chronologique et sur le modèle de « un clou chasse l’autre », certains préféreront considérer le jazz comme une sorte de jardin où prolifère une végétation infiniment diverse. Selon les moments et les humeurs, on peut aller s’y promener au hasard (ou pas), parfois bien étonné de voir surgir ici ou là quelques fleurettes que l’on croyait seulement répandues ailleurs. Le climat est très diversifié, et le torride peut voisiner avec la plus rafraîchissante des poésies. C’est un monde qui palpite, dont chaque être possède une pulsation vitale, et de nouvelles espèces y viennent sans arrêt, à côté

d’autres qui ne meurent jamais.

D’autres, qui préfèrent avoir la tête dans les étoiles, feront la comparaison avec un ciel illuminé par la fameuse obscure clarté d’astres et de météores eux aussi infiniment divers et toujours renouvelés. L’avantage est que ce décor-là intègre les étoiles filantes. Et justement…

François Rilhac était une de ces étoiles filantes-là : à peine apparu, éblouissant, exceptionnel, ce surdoué du piano quitta notre vallée de larmes pour le paradis du swing, en laissant tellement peu de traces « officielles » que ses amis – personne n’a réellement pu se consoler de sa disparition à seulement trente-deux ans – restent à l’affût de la moindre bande magnétique rendant compte de l’une de ses apparitions.

Ceux-là parlent de François Rilhac au présent : pour eux, il est toujours vivant. Son alter ego Louis Mazetier, grand pianiste lui aussi et pratiquant le même style, le décrit comme un personnage complexe, tantôt exubérant, tantôt sombre, exprimant dans son style pianistique ses contradictions : tour à tour tendresse et agressivité, timidité et

assurance, fragilité et puissance. Maître d’ouvrage de cet album, Louis Mazetier ajoute, parlant de son ami : « Ces contrastes rendent sa musique profonde, attachante et humaine, car l’émotion y est toujours présente. Il ne triche pas, s’engage, prend des risques, se plante parfois et se rattrape de façon étourdissante. Il survole le piano avec une maîtrise stupéfiante et, dans les grands jours, n’a peur de rien. »

On ne saurait mieux décrire le contenu de ce disque, recueil d’autant plus précieux que, à ma connaissance, on ne trouvera guère François Rilhac en soliste que sur un microsillon publié en 1987 et sur un CD posthume (déjà concocté par Louis Mazetier) enregistré à la même époque et publié il y a vingt ans.

Ici, nous sommes en juin 1985 et le pianiste au sommet de son art. Il ne s’agit pas d’un studio d’enregistrement, mais d’un club dédié au jazz en général et au piano en particulier. L’endroit, aujourd’hui disparu, se trouvait au coeur du Quartier Latin et avait nom : La Table d’Harmonie.

Voilà François Rilhac quasiment dans son salon, avec des amis autour. Le Nagra de la maison Black & Blue tourne discrètement et les micros sont des Neumann : nous sommes au meilleur de ces temps analogiques dont le son tend de nos jours à se perdre.

Quant à l’artiste, il sait tout faire et il ne s’en prive pas. Les influences sont là, de Fats Waller à Art Tatum en passant par Willie ‘The Lion’ Smith, mais toute cette belle musique est avant tout du pur François Rilhac : ici, il vous donnera sa tendresse – dans la vie, c’était un homme gentil et très généreux ; là, il vous secouera par le swing ravageur

d’une main gauche rompue au ‘stride’ et qui ne manque jamais de muscle ; là encore il vous fera rêver dans une poussière de notes. Avec lui, l’inattendu est de rigueur et l’humour toujours au rendez-vous : c’est La mère Michel qui en fait les frais à la plage 10 de l’album, formidable improvisation sur ses démêlés avec le père Lustucru. La mère Michel ne retrouvera pas son chat, mais la maison Black & Blue a fini par remettre la main sur ce moment de bonheur oublié au fin fond de ses archives. Quant à vous, si vous m’en croyez, précipitez-vous chez votre fournisseur habituel dès sa parution : grâce à ces inédits, vous allez pouvoir trouver – ou retrouver – un des plus grands et des plus rares musiciens que le jazz français ait produits.

Laurent VERDEAUX (Bulletin du HCF 653)

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Lorsque furent publiés, en 1973, les mémoires de Duke Ellington, voici comment l’éditeur (Doubleday, New York) présentait l’ouvrage: « C’est l’histoire de Duke Ellington, l’histoire du jazz lui-même […], une symphonie écrite par le Roi du Jazz dont l’histoire couvre et définit un demi- siècle de musique moderne. » Mais il aura fallu attendre quarante-trois ans pour que, grâce aux éditions Slatkine et à la Maison du Duke que préside Christian Bonnet, les lecteurs francophones puissent enfin se plonger dans cette histoire de bout en bout passionnante.

Pour structurer le récit de sa vie, peut-être parce que, selon les dires de son fils Mercer, il rêva toujours d’avoir sa propre revue à Broadway et qu’il fut aussi un remarquable homme de scène, Ellington utilise le vocabulaire du théâtre : huit grands chapitres intitulés « actes », comportant chacun une section qui, sous le nom de « Dramatis Felidae »(1), trace le portrait (il y en a près d’une centaine) des gens qui ont compté pour lui tout au long de sa carrière : en premier lieu, bien sûr, les musiciens de ses orchestres, mais aussi les pianistes qui l’ont influencé, comme James P. Johnson ou Willie Smith le Lion, des chefs de grandes formations (des collègues en quelque sorte!), comme Fletcher Henderson (« Le son de son orchestre a toujours été celui que je rêvais d’obtenir dès que j’aurais eu mon big band », p. 68), Chick Webb ou Don Redman, les chanteurs et chanteuses qu’il a accompagnés, au premier rang desquels Ivie Anderson, mais aussi Herb Jeffries, Kay Davis ou Alice Babs. Avec un art consommé de la formule pour peindre tel ou tel, Duke se révèle être un fin observateur des moeurs et des habitudes, doublé d’un analyste précis lorsqu’il s’agit de définir la singularité musicale de chacun : « Le Lion, c’était un gladiateur dans l’âme » (p. 114), en parlant des défis que Willie Smith ne pouvait s’empêcher de lancer aux autres pianistes ; « pouvoir se laisser flotter sur la mer immense et aventureuse de l’espérance » (p. 179), pour caractériser l’assise rythmique qu’assurait Jimmie Blanton ; « un danseur-batteur qui peignait des images chorégraphiques avec ses tambours » (p. 124), pour définir la pulsation de Chick Webb. Quant au fidèle complice, Billy Strayhorn, il « était mon bras droit, mon bras gauche, les yeux derrière ma tête, mes ondes cérébrales à l’intérieur de son crâne, et vice versa » (p. 175).

On sait que la vie professionnelle d’Ellington fut particulièrement bien remplie. Ses Mémoires le confirment : de ses débuts à Washington aux dernières tournées européennes et asiatiques, pas un jour où la musique ne soit présente. Quand il ne joue ou ne dirige pas son orchestre, il prend des notes (qui formeront la matière de cet ouvrage) et, surtout, il compose. Plusieurs pages sont ainsi consacrées à l’élaboration d’oeuvres que le Duke jugeait essentielles, notamment les Suites, comme la Queen’s Suite (3)(p. 134-135) ou la Black Brown and Beige (p. 195-197), ainsi que les fameux Concerts Sacrés (p 285-297). Il sait aussi manier l’humour quand il s’agit de pièces plus légères : « Dancers in Love est un morceau dans le style naïf […] dans lequel un garçon a du mal à percevoir quel genre de parfum porte sa partenaire parce qu’ils dansent loin l’un de l’autre, et que la fille ne songe qu’à danser ! » (p. 198). Il faudrait pouvoir tout citer (notamment les comptes rendus, souvent détaillés, des tournées à travers le monde) d’un ouvrage qui rompt avec la tradition du récit de vie, car, comme le dit Claude Carrière dans sa préface, le Duke écrit comme il compose, c’est-àdire au gré de son inspiration, rédigeant les textes qui lui venaient comme les « bribes de mélodies qu’il rassemblait, ordonnait et orchestrait ensuite pour et avec ses musiciens…» (p. 13-14). En sus de tout cela figurent, à la fin, la liste complète des compositions ellingtoniennes(4), une discographie sélective et un index très précis. On regrettera seulement l’absence de la centaine de photos que comportait l’édition américaine.

Tout amateur de musique devrait faire siennes les dernières lignes du livre : « Elle balance. Elle a la grâce. À l’entendre parler, on n’en croit pas ses oreilles. […] La musique est ma maîtresse et elle ne se contente pas de jouer les seconds rôles. » On ne voit vraiment pas comment on pourrait se dispenser d’une telle lecture.

 

Alain CARBUCCIA (Bulletin du HCF 651)

 

1- C’est le critique Stanley Dance qui suggéra à Ellington d’utiliser cette expression latine dont le sens, « les chats de l’intrigue », renvoie au terme anglais « cats » désignant, dans l’argot du jazz, les musiciens ainsi que les amateurs de cette musique

2- Music Is My Mistress est centré sur la carrière musicale d’Ellington. C’est dire que les confidences intimes sont quasi absentes, si l’on excepte les quelques pages consacrées à ses parents, à sa soeur Ruth et à son fils Mercer. À noter toutefois, dans le chapitre « Médecins et chirurgiens », le récit savoureux de ses déboires physiques

3- Selon Duke, le chant d’un oiseau et les coassements des crapauds, entendus un soir sur une route de Floride, l’auraient inspiré pour l’écriture de certaines parties de la Queen’s Suite. Cette scène (racontée p. 134-135) rappellera peut-être aux cinéphiles (il y en a parmi les amateurs de jazz !) l’épisode du film d’Abel Gance Un grand amour de Beethoven (1936), où le compositeur écrit la Symphonie pastorale à partir des bruits de la nature

4- Complète par rapport à celle de l’édition originale qui présentait une lacune pour les années 1947 à 1952

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Sentimental journey, Grandpa’s spells, Just a closer walk withThee, I wish I were twins, East St. Louis toodle-oo, Love will find a way, Stoptime rag, L.O.V.E, Ostrich walk, Handful of keys, Memories of you/I’m in the mood for love/Isn’t it romantic ?, Swing that music, When you and I were young Maggie, Travelin’ boogie

En 2004, j’avais déjà repéré le talent de Paolo au travers de son premier CD en solo alors qu’il n’avait que 23 ans. Stephanie, elle, avait à peine 20 ans quand elle grava en 2006 son premier album, révélant une superbe technique pianistique vite complétée par une bonne dose de

swing qui permit à son second CD d’être couronné en 2011 par un Prix du Hot Club de France.

Le couple qu’ils ont ensuite formé a enregistré en 2012 un premier CD intitulé “Two for One” salué par une chronique louangeuse de Daniel Janissier dans le Bulletin 617. Or, au mois d’août dernier, à l’occasion du fort sympathique festival oléronais « Un piano dans la pinède », j’ai découvert ce nouvel album en duo enregistré en 2014. Paolo Alderighi et Stephanie Trick pratiquent donc une formule jusque-là peu utilisée dans le jazz : le piano à quatre mains, procédé qui s’avère bien différent du duo de pianos. Joué sur le même instrument, le piano à quatre mains réclame une complicité et une complémentarité totales sans exclure le contraste des styles, et il se révèle extrêmement

spectaculaire en concert.

Comme leur premier CD, celui-ci donne lieu à des arrangements fort bien venus et met en valeur les qualités propres à chacun. Pour Paolo : un agréable toucher, une belle musicalité et un sens aigu de l’harmonie. Pour Stephanie : une main gauche d’une grande souplesse et un jeu particulièrement brillant et dynamique. À elle, la virtuositédu ‘stride’ et du boogie. À lui, les incursions dans le monde d’Ellington ou de Garner.

Ceux, de plus en plus nombreux, qui ont eu la chance de les voir en concert repéreront plus aisément à l’écoute ce qui est dû à l’un et à l’autre. Mais chacun pourra apprécier ce jeu à quatre mains qui forme un tout que l’on ne doit pas dissocier et qui s’avère une forme musicale originale, bien différente tant du piano solo que du duo de pianos.

Dans cet album, de belles réussites comme Just a closer walk with Thee où la fusion des styles est particulièrement réussie. Dans East St Louis toodle-oo, un rythme à trois temps et un passage à la Garner viennent s’intercaler dans une évocation qui n’était pas évidente de l’arrangement ellingtonien. Dans Love will find a way, la musique nostalgique de Paolo se marie à celle plus joyeuse de Stephanie. Stoptime rag est l’interprétation facétieuse d’un ragtime de Scott Joplin. Handful of keys est une interprétation tout en légèreté du chef-d’oeuvre de Fats Waller. Les deux pianistes ne font pas mentir le titre de Swing that music où l’on repère dans quelques passages le ‘stride’ décoiffant de Stephanie. Paolo expose avec feeling le beau thème de When you and I were young Maggie avant que Stephanie ne le soutienne par une pompe efficace. Si Travelin’boogie est une des plus swingantes interprétations du recueil, c’est aussi une des plus originales, bien que l’on y retrouve des figures classiques du boogie sur un fond de basses roulant à souhait.

À vrai dire, il n’y a pas d’interprétations faibles dans cet album et l’on souscrit au jugement de Dick Hyman : « Ensemble, ils jouent un stride à quatre mains comme cela n’avait jamais été fait. »

 

 Claude-Alain CHRISTOPHE (Bulletin du HCF 653)

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Is it me, Waiting on you, Long nights, Be yourman, Wasting my time, Mad as a man can be, Never coming back, Repo man, Six o’clockblues, Erline, Feeling they call the blues

 Né en 1964, Lucky Peterson s’est révélé en 1984 en enregistrant l’album “Ridin’” (Bulletin 333, p. 23) qui mettait en valeur son grand talent de pianiste/organiste. Il chantait certains titres dans ce disque, mais sa voix, bien que plaisante, n’avait pas encore atteint sa pleine maturité, un peu comme celle de Ray Charles à ses débuts. Seulement, au lieu de se contenter d’apprécier ce recueil et d’attendre tranquillement les futures réalisations du musicien, bon nombre d’amateurs de blues ont considéré “Ridin’” comme une référence et ont été ensuite déconcertés par

l’évolution musicale de Lucky Peterson, en particulier par le succès planétaire de son CD “I’m Ready” en 1993 (Bulletin 414, p. 18) et notamment de sa version de la composition de Howlin’ Wolf, Who’s been talkin’. C’est que Peterson avait bien changé ; et s’il s’y montrait toujours excellent pianiste/organiste, il chantait beaucoup plus qu’auparavant avec feeling et autorité, jouait fréquemment de la guitare électrique avec brio. Fort du succès commercial de “I’m Ready”, Lucky enregistra alors

plusieurs CD entre 1995 et 2005 dans lesquels il délaissait le plus souvent le blues et le jazz au profit du funk ou du pop/rock… Durant cette période, seul le recueil “Spirituals and Gospels” daté de 1996 (Bulletin 459, p. 14), où Peterson accompagne à l’orgue et au piano la chanteuse Mavis Staples, offrait de l’intérêt pour nos lecteurs.

On pouvait croire alors que Lucky Peterson était perdu à jamais pour la musique que nous aimons ! Mais le miracle s’est produit avec l’enregistrement en 2010 de deux recueils : “Heart of Pain” (Bulletin 592, p. 19) et “You Can Always Turn Around”(Bulletin 623, p. 24). Ces albums ont été certes encensés par les spécialistes, mais, bien que recelant pas mal de chefs-d’oeuvre, ils n’ont été que moyennement appréciés par les

amateurs, sans doute influencés de façon négative par ses précédentes productions.

Pour ma part, je pense que le présent album, daté de 2015, devrait enfin rallier tous les suffrages car il prouve, et sans la moindre réserve, que celui que ses fans et certains journalistes surnomment « le Mozart du blues » est un chanteur, guitariste et pianiste exceptionnel.

Dans ce disque, et selon les morceaux, Lucky emploie la guitare électrique, la guitare acoustique, la guitare dite « Dobro » (qui possède un système spécifique à résonateur), le piano acoustique, le synthétiseur, et associe à sa voix ces différents instruments, montrant sa maîtrise exceptionnelle du re-recording. Il est secondé par des partenaires dignes de lui, à savoir : Kelyn Crapp à la guitare d’accompagnement, Jonathan Fisher à la contrebasse et Jamil Byrum à la batterie – précisons, en passant, que ce dernier est nettement supérieur à Raul Valdes que l’on entend habituellement dans les disques

récents du grand bluesman.

Étant donné la qualité de la musique, je vous propose un commentaire à propos de chaque titre. Le disque s’ouvre sur le dansant Is it me au rythme très enlevé, actuel, et en même temps assez subtil. Cette interprétation, qui rappelle à la fois James Brown et Buddy Guy, est typique du style de Lucky Peterson. Waiting on you, blues semi-vif, est

swingué de façon réjouissante, bien chanté et agrémenté d’un excellent solo de guitare, et si la section rythmique y est peut-être un peu trop présente, elle n’en demeure pas moins efficace et solide. Be your man et Erline montrent l’influence qu’ont eue sur Peterson des chanteurs-guitaristes de blues des générations précédentes tels que Robert

Johnson ou Elmore James. Dans ces deux blues, les sonorités que Lucky et Kelyn Crapp tirent de leur instrument, ainsi que le dynamisme de leur jeu, sont impressionnants ; l’ambiance des parties chantées est par contre fort différente d’un morceau à l’autre : humour et ironie dans le premier, concision et commentaires parlés dans le second. Vous ne perdrez pas votre temps à l’audition du captivant Wasting my time : le chant très personnel de Lucky, tour à tour ironique, nonchalant et rebelle, y est splendide, soutenu par des riffs de piano rappelant le style de  Memphis Slim et des interventions de guitare à la B.B. King. Mad as a man can be, en tempo vif dans un climat rock ‘n’ roll – le vrai, pas les imitations – , met en relief les qualités et la virtuosité du chanteur ainsi que le punch et l’invention du guitariste qui combine avec bonheur la manière de B.B. King avec celle de Chuck Berry.

Ajoutons que l’influence de Chuck, associée à celle d’Elmore James, se perçoit également dans Never coming back : sur un tempo de rêve, Lucky Peterson chante ce blues avec beaucoup de verve, dans un registre plus aigu qu’à l’accoutumée. Dans Repo man, sa voix gutturale et émouvante ainsi que ses qualités pianistiques sont parfaitement mises

en valeur, non sans évoquer Ray Charles. Quant à Six o’clock blues, ballade nostalgique hors tempo, chantée avec retenue et feeling, enrichie par une excellente partie de guitare, elle constitue un morceau original et inattendu – mais peut-être aurions-nous préféré entendre Lucky chanter un gospel en s’accompagnant à l’orgue.

Le disque se termine par le subtil et ‘jazzy’ Feeling they call the blues, magnifiquement nterprété par le grand bluesman et ses accompagnateurs, le guitariste, le bassiste et le batteur y jouant encore plus qu'ailleurs en parfaite symbiose avec le chanteur/pianiste.

Mais pour clore cette chronique, j'ai préféré réserver Long nights, qui pour moi constitue le sommet du disque : c’est une longue plainte en tempo lent, pleine de mélancolie et d'émotion, qui met surtout en valeur les qualités du chanteur ; le solo de guitare y est inspiré, rayonnant, avec des tournures empruntées plus aux guitaristes de jazz qu'à ceux de blues, l'ensemble bénéficiant d'un accompagnement sobre et efficace, enrichi d'une partie de piano superbe et intense.

En résumé, je ne peux que vous recommander chaleureusement l’acquisition de cet album, d’un niveau exceptionnel, sans doute le meilleur enregistré à ce jour par Lucky Peterson.

 

Raphaël AUBIN (Bulletin du HCF 652 )

 

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Wholly cats, On the Alamo, Shivers, Stardust, Breakfast feud, Soft winds, ACDC current,Memories of you, Seven come eleven, Pagin’ thedevil, Solo flight, Till Tom special, Gone with what wind

Pour réaliser cet opus, le saxophoniste ténor Michel Pastre s’est entouré du jeune et prometteur trompettiste Malo Mazurié et du fameux trio désormais réuni sous la bannière de La Section Rythmique : David Blenkhorn à la guitare, Sébastien Girardot à la basse et Guillaume Nouaux à la batterie. L’enregistrement eut lieu les 20 et 21 janvier 2015. Ce qui frappe d’emblée dans ce disque, c’est la cohésion d’une formation où l’on sent que le swing s’est constamment invité. Rendons justice au guitariste David Blenkhorn qui a su se couler dans le moule de la musique de Charlie Christian sans pour autant imiter de façon servile sa façon de jouer. On ne peut que louer sa superbe technique instrumentale, son jeu clair, précis et mélodieux. Quant au saxophoniste ténor Michel Pastre, s’il fait toujours référence à Lester Young, son jeu me semble avoir encore gagné tant en sérénité qu’en rondeur. Voyons tout cela de plus près.

Les compositions font essentiellement appel au répertoire de l’orchestre de Benny Goodman, dont celles signées en partage avec Charlie Christian : Shivers, ACDC current, Seven come eleven, Solo flight. De beaux thèmes fort peu joués de nos jours et c’est dommage. Dès le premier morceau, Wholly cats, on est frappé par le drive que dégage l’orchestre, ce que la suite ne fera que confirmer ; le jeune trompettiste Malo Mazurié y prend un solo très bien articulé et on appréciera aussi le diminuendo bienvenu lors de la coda. Michel Pastre déroule avec sérénité et sensibilité On the Alamo où David Blenkhorn distille des accords tirés au cordeau. Sur Shivers, Michel Pastre et Malo Mazurié prennent chacun un chorus : le trompettiste s’exprime avec clarté et concision, les deux solistes sont portés par un afterbeat forcené de la rythmique et on remarquera la belle intervention du guitariste. Sur Stardust, pris en tempo aisé, Michel Pastre fait montre de lyrisme tandis que Dave Blenkhorn égrène des accords d’une grande musicalité. Dans Breakfast feud, un thème-riff où Malo Mazurié est en vedette, Michel Pastre intervient rageusement, le morceau se poursuivant par de délicats ensembles. Soft winds, une jolie mélodie, est prise sur un tempo qui balance bien ; David Blenkhorn y développe de belles phrases épaulées par des riffs appuyés par le duo trompette/saxo ténor. ACDC current, autre thème-riff, est de toute beauté : les deux souffleurs sont performants et David Blenkhorn, inspiré par ce thème, est remarquable.

On passera sur Memories of you, un peu léger. Seven come eleven met en valeur Michel Pastre mais aussi David Blenkhorn, impressionnant de virtuosité, bien secondé par la basse et la batterie au swing impétueux ; Malo Mazurié y est fringant, jouant bien assis sur le temps, et Guillaume Nouaux prend un solo d’une grande maîtrise soutenu par de solides accords des deux souffleurs. Belle prestation d’ensemble sur Pagin’ the devil, un blues très low-down mené par Michel Pastre au son charnu, suivi du trompettiste qui joue fermé ; à la basse, Sébastien Girardot prend un solo fortement charpenté, tout de justesse et d’équilibre. Solo flight, l’un des meilleurs titres, presque entièrement dévolu à Dave Blenkhorn éclatant de classe, nous ravit par ses superbes envolées. Malo Mazurié est tranchant sur Till tom special, tout comme Michel Pastre, et le ‘drumming’ de Guillaume Nouaux, ferme, précis, gorgé de swing fait merveille en solo. Gone with “what” draft, joliment amené, termine agréablement cette session.

Nous tenons là un disque mémorable dont nul ne saurait se passer.

 

Christian Sabouret - Bulletin du HCF 645 de Novembre 2015

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CD (79 min) : Praise God, Tell me it’s the truth, Come Sunday, In the beginning God, Almighty God /Choral, The shepherd, Heaven, It’s freedom, Meditation, Every man prays, The Lord’sprayer, Praise God and dance ,Calmighty God / Choral1.

 

DVD (112 min) : Praise God, A glimpse of God, Something about believing, Reading the Bible, In the beginning God, Almighty God, Pastor John G.Gensel, The shepherd, Optimism, Tell me it’s the truth, Come Sunday, Every man prays, The Lord’s prayer, Heaven, It’s freedom,Communication, Meditation, David danced before the Lord, Love, Is God a three letter word for love ?, Mistakes, Father forgive, Praise God and dance

 

L’initiative de Laurent Mignard d’entreprendre avec le Duke Orchestra un « tour des cathédrales », comme l’avait fait Ellington entre 1965 et 1973, est la bienvenue. Le récital proposé a été filmé en public à Paris, en l’église de La Madeleine, le 1er octobre de l’année 2014 (quarantième anniversaire de la disparition du pianiste) avec un personnel imposant : trois vocalistes (Sylvia Howard, Nicolle Rochelle, Emmanuel Pi Djob), un claquettiste (Fabien Ruiz), douze Voix en Mouvement (dirigées par Michel Podolak), cent vingt choristes provenant de quatre ensembles d’Île-de-France et les seize membres du Duke Orchestra : Claude Egea, Sylvain Gontard, Jérôme Etcheberry, Richard Blanchet (tp), Fidel Fourneyron, Michaël Ballue, Jerry Edwards (tb), DidierDesbois, Aurélie Tropez (as, cl), Olivier Defaÿs (ts), Carl Schlosser (ts, fl), Philippe Chagne (bs, bcl), Philippe Milanta (p), Bruno Rousselet (b), Julie Saury (d), Laurent Mignard (dir.).

Ce généreux concert de près de 2 h s’adresse à un public qui dépasse de beaucoup celui des amateurs de jazz. Car, du côté de ces derniers, la musique d’inspiration religieuse d’Ellington est parfois reçue avec réserve, comme s’il était inconcevable que l’auteur de The mooche fût aussi celui des Sacred Concerts (la même réticence pouvant concerner les Suites). C’est oublier que Duke Ellington revendiquait d’être appelé non pas « compositeur de jazz », mais seulement « compositeur », soucieux qu’il était de ne pas devoir brider sa créativité. Quant à ses préoccupations d’ordre spirituel, il suffit de lire son autobiographie Music Is My Mistress pour les percevoir sans ambiguïté. Laurent Mignard, qui connaît « son » Duke sur le bout des notes et des mots, ne pouvait ignorer cette dimension de l’artiste ni cet aveu : « Je considère ces concerts de musique sacrée comme la chose la plus importante que j’aie jamais faite. »

Des trois concerts sacrés écrits par Ellington on identifiera dans l’album six titres du premier, huit du second, un du troisième. Les huit titres restants, notés en italique dans la liste ci-dessus, ne sont pas musicaux : ils consistent en de brèves interventions prononcées en anglais (sous-titré) par Mercedes Ellington, petite-fille du compositeur et « gardienne du temple » comme la désigne le livret. Ce sont ces textes transitoires, porteurs de « messages» de Duke, qui, par leur fonction d’annonces, soulignent la cohérence d’un programme dont l’agencement pourrait de prime abord sembler disparate. On est ainsi en présence d’un ensemble complexe, caractérisé par une ample diversité de thèmes, de climats,de tempos, d’intervenants et servi par une scénographie grandiose.

Si toutes les interprétations confirment la mise au point d’un orchestre soutenu par une rythmique exemplaire, plusieurs portent bel et bien la marque du jazz le plus swingant.Introduit par le piano de Philippe Milanta sur une souple pulsation de Julie Saury et Bruno Rousselet, Something about believing est dominé par Sylvia Howard, dialoguant avec les choeurs de sa voix grave, profonde et ménageant des espaces à Jérôme Etcheberry( tp) et Fidel Fourneyron (tb) ; on retrouve la chanteuse avec sa même sûreté dans Tellme it’s the truth où interviennent plaisamment le trombone de Michaël Ballue et l’alto de Didier Desbois, et aussi dans un Lord’s prayer vivifiant et gospelisant où elle partage le micro avec Emmanuel Pi Djob, ardent « prêcheur » aux intonations « growlées », tous deux aiguillonnés par la trompette harcelante de Jérôme Etcheberry. The shepherd, portrait musical du pasteur John G. Gensel si respecté de Duke, est encore brillamment illustré par Etcheberry dans le sillage de Cootie Williams par le découpage des phrases, l’épaisseur du son, le poids des notes, la maîtrise de la sourdine : on saluera la performance.

En matière de spectacle, le titre le plus attrayant est bien sûr David danced before the Lord, talentueuse démonstration de Fabien Ruiz dont le ‘tap dancing’ personnel, d’une

parfaite élégance, alterne avec invention puissance et légèreté (et l’on tendra aussi l’oreille aux variations d’Aurélie Tropez à la clarinette).

Les plus longues pièces du programme, mosaïques de thèmes, de mouvements, de tempos, méritent une approche différente. Proche du début du concert, In the beginning God (19 min) est l’exemple même de l’interprétation foisonnante. Le premier thème est sobrement exposé par Philippe Chagne (bs) et Aurélie Tropez (cl), relayés par la voix puissanted’Emmanuel Pi Djob. Les paroles de cette composition ambitieuse, titrée des premiers mots de la Bible, évoquent la naissance de l’univers : on y reconnaîtra l’humour de Duke quioppose au « rien » d’avant la Création une liste de réalités… souvent bien inattendues. Le ténor impétueux de Carl Schlosser brode en tempo vif sur le second thème tandis que le choeur énumère en cadence les livres de l’Ancien Testament ; puis retour au premier thème avec la trompette de Dominique Blanchet additionnant contre-ut et bi-contre-ut sous l’oeil admiratif (et amusé) de ses collègues ; enfin, après l’énoncé des livres du NouveauTestament par les chorales, la clôture est réservée à la batterie de Julie Saury : un solo subtil, rigoureux, plein de « couleurs sonores », où l’utilisation expressive des cymbales précède des frappes agiles sur les toms et des roulements serrés sur la caisse claire. It’s freedom (12 min 30) ne manque pas non plus d’originalité : le rôle du choeur est prépondérant dans cet hymne à la liberté scandé de façon obsédante, tantôt triomphant, tantôt murmuré, voire exprimé en de multiples langues et soudain commenté par la voix… d’Ellington en personne ; en marge de la partie chorale se déploient, au gré des segments de l’interprétation, des interventions de Fidel Fourneyron (éloquent au trombone avec la‘plunger’), Philippe Milanta (incisif au piano), Didier Desbois (mobile et lyrique à l’alto) et Carl Schlosser (véhément au ténor). Le final, Praise God and dance (12 min) est, comme il se doit, construit en gradation : la séquence d’ouverture, hors tempo puis en tempo lent, est confiée à Nicolle Rochelle, surprenante en diva chargée du répertoire d’Alice Babs ; puis un tempo vif s’installe, magistralement tenu par l’intraitable ‘after-beat’ de Julie Saury et la basse dansante de Bruno Rousselet, et donne lieu jusqu’à l’issue du concert à d’opulents ensembles orchestraux, auxquels se mêlent les exhortations des choristes et d’où se détache principalement le ténor d’Olivier Defaÿs au discours « sinueux » avant la trompette« stratosphérique » de Richard Blanchet. Dans une ambiance autrement paisible, on appréciera Praise God, où le baryton de Philippe Chagne instaure au début du concert un climat de solennité ; Come Sunday,phrasé par Sylvia Howard avec une ferveur intense sur un background orchestral feutré; Almighty God, où s’entrelacent les vocalises « angéliques »9 de Nicolle Rochelle et la clarinette d’Aurélie Tropez dans le registre grave ; Is God a three letter word forlove ?, de nouveau voué à la voix cristalline de la chanteuse, tout comme Heaven, qui bénéficie d’un suave chorus d’alto de Didier Desbois aux riches inflexions ; enfin Meditation, solo intimiste de Philippe Milanta joué hors tempo avec un toucher plein, raffinérappelant immanquablement la sérénité de maintes faces ellingtoniennes.Father forgive est une interprétation à part : Mercedes Ellington y lit un récitatif dont

chaque verset est suivi des deux mots du titre-supplique harmonisés pour les Voix en Mouvement de Michel Podolak. Extra-jazz certes, mais prenant.

 

Au total, un album exigeant, fruit d’un impressionnant travail collectif, qui vient prolongeravec audace les hommages rendus assidûment par Laurent Mignard et son DukeOrchestra à un créateur ‘beyond category11. Une réussite pour un sacré défi.

 

Jacques Canérot - Bulletin du HCF 641 - Mai 2015

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Livre de 76 pages au format 30 x 22 cm (à l'italienne). Cartonné. 120 photos ou illustrations N&B et couleur

 

Les lecteurs de Traveling Blues et de Jazz Puzzles, vol.1 connaissent le goût de l’auteur pour la rigueur, la précision, voire l’exhaustivité de l’information. Son nouvel ouvrage ne déroge pas à ce principe d’exigence : qu’il s’agisse de dates, de chiffres, de généalogie, de localisation, d’identification, rien n’est énoncé qui n’ait été préalablement authentifié au moyen de documents ou de preuves irréfutables. Il résulte de cette quête minutieuse une reconstitution convaincante de l’itinéraire de l’homme et du musicien Frank Goudie que sa haute taille avait fait surnommer ‘Big Boy’.

Le livre n’est pas subdivisé en chapitres, mais constitué d’une succession d’épisodes. Cette composition est heureuse car mieux adaptée à la relation d’une existence en constant mouvement qui ne cessa d’enchaîner voyages, rencontres, tournées, engagements, sessions d’enregistrement. Ainsi, au long de ce cheminement international, le lecteur croisera une pléiade de musiciens aux noms familiers car Big Boy côtoya les jazzmen les plus réputés (Tommy Ladnier, Sidney Bechet, Bill Coleman, Django Reinhardt, Earl Hines, KidOry…), tandis qu’une multitude d’autres, soit estimés moins célèbres aujourd’hui (Spencer Williams, Freddy Johnson, Freddy Taylor, Jerry Blake, Wilson Myers, ArthurBriggs, Peter Ducongé…), soit quasi inconnus (Maceo Anderson, Eugene Bullard, EmileJoseph Christian…), font l’objet de notices biographiques bienvenues. Bien sûr on suivra pas à pas Big Boy parmi les multiples orchestres auxquels il participa, y compris lors deses périples en Amérique du Sud où il se produisit dans des formations étrangères au jazz.

Toutefois le texte fait surtout la part belle aux séjours – avant et après-guerre – du musicien en France où ce professionnel multi-instrumentiste, improvisateur au style original, avait été sollicité dès son arrivée : à partir de 1933, il fut régulièrement à l’affiche des concerts du Hot Club (Hugues Panassié, souvent cité, prisait beaucoup son jeu), puis enregistra sous son nom dès 1935 avant de figurer sur diverses faces du label Swing.

Il ressort de cette trajectoire fertile en rencontres et en événements que la carrière de Frank Goudie fut celle d’un acteur à part entière de l’histoire du jazz. Curieusement, le récit décrit une destinée en forme de boucle, prenant naissance dans la Louisiane de la fin du XIXe siècle où la musique néo-orléanaise était partout présente, et s’achevant en Californie entre 1956 et 1964 au coeur de formations pratiquant le « jazz des origines » (p. 57). Cette fidélité aux racines de sa musique est d’ailleurs l’une des constantes du parcours de Big Boy, peu intéressé par « le nouveau chemin ouvert par le be-bop » (p. 50, voir aussi p. 53 et 60).

Apprécié de ses confrères, l’homme était aussi attachant que le musicien : tous les témoins le dépeignent comme aimable, chaleureux, calme, courtois, « plein de sagesse et de bon sens » (p. 61). Sans renier ses ascendances familiales, il avait des « manières européennes » (p. 58) et s’était pris d’affection pour la France : il se maria deux fois avec des Françaises, parlait couramment notre langue (au point de prononcer l’anglais avec des traces d’accent français…) et avait même pris l’habitude de porter le béret ! Ouvert néanmoins au monde, il ne manqua jamais l’occasion d’élargir sa culture, par la lecture notamment, et, dans les dernières années de sa vie, il fréquenta l’intelligentsia de SanFrancisco.

Comme chaque fois que paraît un ouvrage de Dan Vernhettes, on admire le travail de recherche pour collecter la documentation la plus complète possible. C’est ainsi qu’ont été consultés non seulement des livres importants (par exemple Harlem in Montmartre de William A. Shack, Douze années de jazz d’Hugues Panassié, Delaunay’s Dilemma deCharles Delaunay), mais aussi les principales revues françaises (Jazz Hot, Jazz Tango Dancing, La Revue du Jazz, Bulletin du Hot Club de France) et étrangères (américaine Downbeat, belge Music, néerlandaise De Jazzwereld), sans compter nombre de journaux de l’entre-deux-guerres, essentiellement américains comme le Chicago Defender, le San Francisco Examiner ou le Baltimore Afro-American (dont un article est reproduit page 46). À cette ample moisson s’ajoutent le matériel publicitaire (affiches, annonces et programmes de concerts, étiquettes des 78 tours originaux reproduites en couleurs), un plan du 9e arrondissement de Paris (sur lequel sont localisés une trentaine de cabarets en activité dans les années 30) et quelques documents plus personnels, comme la carte du recensement militaire de Big Boy ou son faire-part de mariage du mois de mai 1939. Enfin ont été réunies une soixantaine de photographies montrant Frank Goudie au sein des orchestres dirigés, entre autres, par Benny Payton, Noble Sissle, Freddy Johnson, Willie Lewis, ou bien à la tête de sa petite formation Big Boy and His Little Boys. Certains clichés attirent davantage l’attention : insolite comme celui de la page 38 (les musiciens de Willie Lewis coiffés d’une chéchia pour faire couleur locale lors d’une tournée en Égypte), amusant comme celui de la page 40 (Goudie justifiant son surnom quand il pose à côté du « petit » Oscar Aleman), rare comme celui de la page 49 (l’épouse de Big Boy servant à boire à des musiciens dans son restaurant de Rio de Janeiro).

La discographie, en clôture du livre (environ 350 titres) mérite une attention particulière : y figurent non seulement la totalité des faces du commerce – avec les personnels complets, l’identification des solistes, diverses remarques et appréciations – mais aussi la liste quasi intégrale des enregistrements sur bande magnétique de la périodecalifornienne, inédits pour la plupart à ce jour.« Éloge d’un gentleman du jazz » : relevée en page de conclusion, l’expression résume avec pertinence un livre riche et attrayant en forme de dédicace à un musicien de talent, doublé d’une personnalité rayonnante jusqu’alors insuffisamment connue.

 

Alain Carbuccia et Jacques Canérot - Bulletin du HCF 642 - Juin/Juillet 2015

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I’ve got the world on a string, Somebody stole my gal, Keepin’ out of mischief now,Lullaby in rhythm, I cover the waterfront, Daintiness rag, Ain’t misbehavin’, Sugar, Sweet Lorraine, La mère Michel, On the sunny side of the street, Body and soul, F minor stride, April in my heart, It’s only a paper moon

Plutôt que d’en avoir une conception linéaire, chronologique et sur le modèle de « un clou chasse l’autre », certains préféreront considérer le jazz comme une sorte de jardin où prolifère une végétation infiniment diverse. Selon les moments et les humeurs, on peut aller s’y promener au hasard (ou pas), parfois bien étonné de voir surgir ici ou là quelques fleurettes que l’on croyait seulement répandues ailleurs. Le climat est très diversifié, et le torride peut voisiner avec la plus rafraîchissante des poésies. C’est un monde qui palpite, dont chaque être possède une pulsation vitale, et de nouvelles espèces y viennent sans arrêt, à côté

d’autres qui ne meurent jamais.

D’autres, qui préfèrent avoir la tête dans les étoiles, feront la comparaison avec un ciel illuminé par la fameuse obscure clarté d’astres et de météores eux aussi infiniment divers et toujours renouvelés. L’avantage est que ce décor-là intègre les étoiles filantes. Et justement…

François Rilhac était une de ces étoiles filantes-là : à peine apparu, éblouissant, exceptionnel, ce surdoué du piano quitta notre vallée de larmes pour le paradis du swing, en laissant tellement peu de traces « officielles » que ses amis – personne n’a réellement pu se consoler de sa disparition à seulement trente-deux ans – restent à l’affût de la moindre bande magnétique rendant compte de l’une de ses apparitions.

Ceux-là parlent de François Rilhac au présent : pour eux, il est toujours vivant. Son alter ego Louis Mazetier, grand pianiste lui aussi et pratiquant le même style, le décrit comme un personnage complexe, tantôt exubérant, tantôt sombre, exprimant dans son style pianistique ses contradictions : tour à tour tendresse et agressivité, timidité et

assurance, fragilité et puissance. Maître d’ouvrage de cet album, Louis Mazetier ajoute, parlant de son ami : « Ces contrastes rendent sa musique profonde, attachante et humaine, car l’émotion y est toujours présente. Il ne triche pas, s’engage, prend des risques, se plante parfois et se rattrape de façon étourdissante. Il survole le piano avec une maîtrise stupéfiante et, dans les grands jours, n’a peur de rien. »

On ne saurait mieux décrire le contenu de ce disque, recueil d’autant plus précieux que, à ma connaissance, on ne trouvera guère François Rilhac en soliste que sur un microsillon publié en 1987 et sur un CD posthume (déjà concocté par Louis Mazetier) enregistré à la même époque et publié il y a vingt ans.

Ici, nous sommes en juin 1985 et le pianiste au sommet de son art. Il ne s’agit pas d’un studio d’enregistrement, mais d’un club dédié au jazz en général et au piano en particulier. L’endroit, aujourd’hui disparu, se trouvait au coeur du Quartier Latin et avait nom : La Table d’Harmonie.

Voilà François Rilhac quasiment dans son salon, avec des amis autour. Le Nagra de la maison Black & Blue tourne discrètement et les micros sont des Neumann : nous sommes au meilleur de ces temps analogiques dont le son tend de nos jours à se perdre.

Quant à l’artiste, il sait tout faire et il ne s’en prive pas. Les influences sont là, de Fats Waller à Art Tatum en passant par Willie ‘The Lion’ Smith, mais toute cette belle musique est avant tout du pur François Rilhac : ici, il vous donnera sa tendresse – dans la vie, c’était un homme gentil et très généreux ; là, il vous secouera par le swing ravageur

d’une main gauche rompue au ‘stride’ et qui ne manque jamais de muscle ; là encore il vous fera rêver dans une poussière de notes. Avec lui, l’inattendu est de rigueur et l’humour toujours au rendez-vous : c’est La mère Michel qui en fait les frais à la plage 10 de l’album, formidable improvisation sur ses démêlés avec le père Lustucru. La mère Michel ne retrouvera pas son chat, mais la maison Black & Blue a fini par remettre la main sur ce moment de bonheur oublié au fin fond de ses archives. Quant à vous, si vous m’en croyez, précipitez-vous chez votre fournisseur habituel dès sa parution : grâce à ces inédits, vous allez pouvoir trouver – ou retrouver – un des plus grands et des plus rares musiciens que le jazz français ait produits.

Laurent VERDEAUX (Bulletin du HCF 653)

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Lorsque furent publiés, en 1973, les mémoires de Duke Ellington, voici comment l’éditeur (Doubleday, New York) présentait l’ouvrage: « C’est l’histoire de Duke Ellington, l’histoire du jazz lui-même […], une symphonie écrite par le Roi du Jazz dont l’histoire couvre et définit un demi- siècle de musique moderne. » Mais il aura fallu attendre quarante-trois ans pour que, grâce aux éditions Slatkine et à la Maison du Duke que préside Christian Bonnet, les lecteurs francophones puissent enfin se plonger dans cette histoire de bout en bout passionnante.

Pour structurer le récit de sa vie, peut-être parce que, selon les dires de son fils Mercer, il rêva toujours d’avoir sa propre revue à Broadway et qu’il fut aussi un remarquable homme de scène, Ellington utilise le vocabulaire du théâtre : huit grands chapitres intitulés « actes », comportant chacun une section qui, sous le nom de « Dramatis Felidae »(1), trace le portrait (il y en a près d’une centaine) des gens qui ont compté pour lui tout au long de sa carrière : en premier lieu, bien sûr, les musiciens de ses orchestres, mais aussi les pianistes qui l’ont influencé, comme James P. Johnson ou Willie Smith le Lion, des chefs de grandes formations (des collègues en quelque sorte!), comme Fletcher Henderson (« Le son de son orchestre a toujours été celui que je rêvais d’obtenir dès que j’aurais eu mon big band », p. 68), Chick Webb ou Don Redman, les chanteurs et chanteuses qu’il a accompagnés, au premier rang desquels Ivie Anderson, mais aussi Herb Jeffries, Kay Davis ou Alice Babs. Avec un art consommé de la formule pour peindre tel ou tel, Duke se révèle être un fin observateur des moeurs et des habitudes, doublé d’un analyste précis lorsqu’il s’agit de définir la singularité musicale de chacun : « Le Lion, c’était un gladiateur dans l’âme » (p. 114), en parlant des défis que Willie Smith ne pouvait s’empêcher de lancer aux autres pianistes ; « pouvoir se laisser flotter sur la mer immense et aventureuse de l’espérance » (p. 179), pour caractériser l’assise rythmique qu’assurait Jimmie Blanton ; « un danseur-batteur qui peignait des images chorégraphiques avec ses tambours » (p. 124), pour définir la pulsation de Chick Webb. Quant au fidèle complice, Billy Strayhorn, il « était mon bras droit, mon bras gauche, les yeux derrière ma tête, mes ondes cérébrales à l’intérieur de son crâne, et vice versa » (p. 175).

On sait que la vie professionnelle d’Ellington fut particulièrement bien remplie. Ses Mémoires le confirment : de ses débuts à Washington aux dernières tournées européennes et asiatiques, pas un jour où la musique ne soit présente. Quand il ne joue ou ne dirige pas son orchestre, il prend des notes (qui formeront la matière de cet ouvrage) et, surtout, il compose. Plusieurs pages sont ainsi consacrées à l’élaboration d’oeuvres que le Duke jugeait essentielles, notamment les Suites, comme la Queen’s Suite (3)(p. 134-135) ou la Black Brown and Beige (p. 195-197), ainsi que les fameux Concerts Sacrés (p 285-297). Il sait aussi manier l’humour quand il s’agit de pièces plus légères : « Dancers in Love est un morceau dans le style naïf […] dans lequel un garçon a du mal à percevoir quel genre de parfum porte sa partenaire parce qu’ils dansent loin l’un de l’autre, et que la fille ne songe qu’à danser ! » (p. 198). Il faudrait pouvoir tout citer (notamment les comptes rendus, souvent détaillés, des tournées à travers le monde) d’un ouvrage qui rompt avec la tradition du récit de vie, car, comme le dit Claude Carrière dans sa préface, le Duke écrit comme il compose, c’est-àdire au gré de son inspiration, rédigeant les textes qui lui venaient comme les « bribes de mélodies qu’il rassemblait, ordonnait et orchestrait ensuite pour et avec ses musiciens…» (p. 13-14). En sus de tout cela figurent, à la fin, la liste complète des compositions ellingtoniennes(4), une discographie sélective et un index très précis. On regrettera seulement l’absence de la centaine de photos que comportait l’édition américaine.

Tout amateur de musique devrait faire siennes les dernières lignes du livre : « Elle balance. Elle a la grâce. À l’entendre parler, on n’en croit pas ses oreilles. […] La musique est ma maîtresse et elle ne se contente pas de jouer les seconds rôles. » On ne voit vraiment pas comment on pourrait se dispenser d’une telle lecture.

 

Alain CARBUCCIA (Bulletin du HCF 651)

 

1- C’est le critique Stanley Dance qui suggéra à Ellington d’utiliser cette expression latine dont le sens, « les chats de l’intrigue », renvoie au terme anglais « cats » désignant, dans l’argot du jazz, les musiciens ainsi que les amateurs de cette musique

2- Music Is My Mistress est centré sur la carrière musicale d’Ellington. C’est dire que les confidences intimes sont quasi absentes, si l’on excepte les quelques pages consacrées à ses parents, à sa soeur Ruth et à son fils Mercer. À noter toutefois, dans le chapitre « Médecins et chirurgiens », le récit savoureux de ses déboires physiques

3- Selon Duke, le chant d’un oiseau et les coassements des crapauds, entendus un soir sur une route de Floride, l’auraient inspiré pour l’écriture de certaines parties de la Queen’s Suite. Cette scène (racontée p. 134-135) rappellera peut-être aux cinéphiles (il y en a parmi les amateurs de jazz !) l’épisode du film d’Abel Gance Un grand amour de Beethoven (1936), où le compositeur écrit la Symphonie pastorale à partir des bruits de la nature

4- Complète par rapport à celle de l’édition originale qui présentait une lacune pour les années 1947 à 1952

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Sentimental journey, Grandpa’s spells, Just a closer walk withThee, I wish I were twins, East St. Louis toodle-oo, Love will find a way, Stoptime rag, L.O.V.E, Ostrich walk, Handful of keys, Memories of you/I’m in the mood for love/Isn’t it romantic ?, Swing that music, When you and I were young Maggie, Travelin’ boogie

En 2004, j’avais déjà repéré le talent de Paolo au travers de son premier CD en solo alors qu’il n’avait que 23 ans. Stephanie, elle, avait à peine 20 ans quand elle grava en 2006 son premier album, révélant une superbe technique pianistique vite complétée par une bonne dose de

swing qui permit à son second CD d’être couronné en 2011 par un Prix du Hot Club de France.

Le couple qu’ils ont ensuite formé a enregistré en 2012 un premier CD intitulé “Two for One” salué par une chronique louangeuse de Daniel Janissier dans le Bulletin 617. Or, au mois d’août dernier, à l’occasion du fort sympathique festival oléronais « Un piano dans la pinède », j’ai découvert ce nouvel album en duo enregistré en 2014. Paolo Alderighi et Stephanie Trick pratiquent donc une formule jusque-là peu utilisée dans le jazz : le piano à quatre mains, procédé qui s’avère bien différent du duo de pianos. Joué sur le même instrument, le piano à quatre mains réclame une complicité et une complémentarité totales sans exclure le contraste des styles, et il se révèle extrêmement

spectaculaire en concert.

Comme leur premier CD, celui-ci donne lieu à des arrangements fort bien venus et met en valeur les qualités propres à chacun. Pour Paolo : un agréable toucher, une belle musicalité et un sens aigu de l’harmonie. Pour Stephanie : une main gauche d’une grande souplesse et un jeu particulièrement brillant et dynamique. À elle, la virtuositédu ‘stride’ et du boogie. À lui, les incursions dans le monde d’Ellington ou de Garner.

Ceux, de plus en plus nombreux, qui ont eu la chance de les voir en concert repéreront plus aisément à l’écoute ce qui est dû à l’un et à l’autre. Mais chacun pourra apprécier ce jeu à quatre mains qui forme un tout que l’on ne doit pas dissocier et qui s’avère une forme musicale originale, bien différente tant du piano solo que du duo de pianos.

Dans cet album, de belles réussites comme Just a closer walk with Thee où la fusion des styles est particulièrement réussie. Dans East St Louis toodle-oo, un rythme à trois temps et un passage à la Garner viennent s’intercaler dans une évocation qui n’était pas évidente de l’arrangement ellingtonien. Dans Love will find a way, la musique nostalgique de Paolo se marie à celle plus joyeuse de Stephanie. Stoptime rag est l’interprétation facétieuse d’un ragtime de Scott Joplin. Handful of keys est une interprétation tout en légèreté du chef-d’oeuvre de Fats Waller. Les deux pianistes ne font pas mentir le titre de Swing that music où l’on repère dans quelques passages le ‘stride’ décoiffant de Stephanie. Paolo expose avec feeling le beau thème de When you and I were young Maggie avant que Stephanie ne le soutienne par une pompe efficace. Si Travelin’boogie est une des plus swingantes interprétations du recueil, c’est aussi une des plus originales, bien que l’on y retrouve des figures classiques du boogie sur un fond de basses roulant à souhait.

À vrai dire, il n’y a pas d’interprétations faibles dans cet album et l’on souscrit au jugement de Dick Hyman : « Ensemble, ils jouent un stride à quatre mains comme cela n’avait jamais été fait. »

 

 Claude-Alain CHRISTOPHE (Bulletin du HCF 653)

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Is it me, Waiting on you, Long nights, Be yourman, Wasting my time, Mad as a man can be, Never coming back, Repo man, Six o’clockblues, Erline, Feeling they call the blues

 Né en 1964, Lucky Peterson s’est révélé en 1984 en enregistrant l’album “Ridin’” (Bulletin 333, p. 23) qui mettait en valeur son grand talent de pianiste/organiste. Il chantait certains titres dans ce disque, mais sa voix, bien que plaisante, n’avait pas encore atteint sa pleine maturité, un peu comme celle de Ray Charles à ses débuts. Seulement, au lieu de se contenter d’apprécier ce recueil et d’attendre tranquillement les futures réalisations du musicien, bon nombre d’amateurs de blues ont considéré “Ridin’” comme une référence et ont été ensuite déconcertés par

l’évolution musicale de Lucky Peterson, en particulier par le succès planétaire de son CD “I’m Ready” en 1993 (Bulletin 414, p. 18) et notamment de sa version de la composition de Howlin’ Wolf, Who’s been talkin’. C’est que Peterson avait bien changé ; et s’il s’y montrait toujours excellent pianiste/organiste, il chantait beaucoup plus qu’auparavant avec feeling et autorité, jouait fréquemment de la guitare électrique avec brio. Fort du succès commercial de “I’m Ready”, Lucky enregistra alors

plusieurs CD entre 1995 et 2005 dans lesquels il délaissait le plus souvent le blues et le jazz au profit du funk ou du pop/rock… Durant cette période, seul le recueil “Spirituals and Gospels” daté de 1996 (Bulletin 459, p. 14), où Peterson accompagne à l’orgue et au piano la chanteuse Mavis Staples, offrait de l’intérêt pour nos lecteurs.

On pouvait croire alors que Lucky Peterson était perdu à jamais pour la musique que nous aimons ! Mais le miracle s’est produit avec l’enregistrement en 2010 de deux recueils : “Heart of Pain” (Bulletin 592, p. 19) et “You Can Always Turn Around”(Bulletin 623, p. 24). Ces albums ont été certes encensés par les spécialistes, mais, bien que recelant pas mal de chefs-d’oeuvre, ils n’ont été que moyennement appréciés par les

amateurs, sans doute influencés de façon négative par ses précédentes productions.

Pour ma part, je pense que le présent album, daté de 2015, devrait enfin rallier tous les suffrages car il prouve, et sans la moindre réserve, que celui que ses fans et certains journalistes surnomment « le Mozart du blues » est un chanteur, guitariste et pianiste exceptionnel.

Dans ce disque, et selon les morceaux, Lucky emploie la guitare électrique, la guitare acoustique, la guitare dite « Dobro » (qui possède un système spécifique à résonateur), le piano acoustique, le synthétiseur, et associe à sa voix ces différents instruments, montrant sa maîtrise exceptionnelle du re-recording. Il est secondé par des partenaires dignes de lui, à savoir : Kelyn Crapp à la guitare d’accompagnement, Jonathan Fisher à la contrebasse et Jamil Byrum à la batterie – précisons, en passant, que ce dernier est nettement supérieur à Raul Valdes que l’on entend habituellement dans les disques

récents du grand bluesman.

Étant donné la qualité de la musique, je vous propose un commentaire à propos de chaque titre. Le disque s’ouvre sur le dansant Is it me au rythme très enlevé, actuel, et en même temps assez subtil. Cette interprétation, qui rappelle à la fois James Brown et Buddy Guy, est typique du style de Lucky Peterson. Waiting on you, blues semi-vif, est

swingué de façon réjouissante, bien chanté et agrémenté d’un excellent solo de guitare, et si la section rythmique y est peut-être un peu trop présente, elle n’en demeure pas moins efficace et solide. Be your man et Erline montrent l’influence qu’ont eue sur Peterson des chanteurs-guitaristes de blues des générations précédentes tels que Robert

Johnson ou Elmore James. Dans ces deux blues, les sonorités que Lucky et Kelyn Crapp tirent de leur instrument, ainsi que le dynamisme de leur jeu, sont impressionnants ; l’ambiance des parties chantées est par contre fort différente d’un morceau à l’autre : humour et ironie dans le premier, concision et commentaires parlés dans le second. Vous ne perdrez pas votre temps à l’audition du captivant Wasting my time : le chant très personnel de Lucky, tour à tour ironique, nonchalant et rebelle, y est splendide, soutenu par des riffs de piano rappelant le style de  Memphis Slim et des interventions de guitare à la B.B. King. Mad as a man can be, en tempo vif dans un climat rock ‘n’ roll – le vrai, pas les imitations – , met en relief les qualités et la virtuosité du chanteur ainsi que le punch et l’invention du guitariste qui combine avec bonheur la manière de B.B. King avec celle de Chuck Berry.

Ajoutons que l’influence de Chuck, associée à celle d’Elmore James, se perçoit également dans Never coming back : sur un tempo de rêve, Lucky Peterson chante ce blues avec beaucoup de verve, dans un registre plus aigu qu’à l’accoutumée. Dans Repo man, sa voix gutturale et émouvante ainsi que ses qualités pianistiques sont parfaitement mises

en valeur, non sans évoquer Ray Charles. Quant à Six o’clock blues, ballade nostalgique hors tempo, chantée avec retenue et feeling, enrichie par une excellente partie de guitare, elle constitue un morceau original et inattendu – mais peut-être aurions-nous préféré entendre Lucky chanter un gospel en s’accompagnant à l’orgue.

Le disque se termine par le subtil et ‘jazzy’ Feeling they call the blues, magnifiquement nterprété par le grand bluesman et ses accompagnateurs, le guitariste, le bassiste et le batteur y jouant encore plus qu'ailleurs en parfaite symbiose avec le chanteur/pianiste.

Mais pour clore cette chronique, j'ai préféré réserver Long nights, qui pour moi constitue le sommet du disque : c’est une longue plainte en tempo lent, pleine de mélancolie et d'émotion, qui met surtout en valeur les qualités du chanteur ; le solo de guitare y est inspiré, rayonnant, avec des tournures empruntées plus aux guitaristes de jazz qu'à ceux de blues, l'ensemble bénéficiant d'un accompagnement sobre et efficace, enrichi d'une partie de piano superbe et intense.

En résumé, je ne peux que vous recommander chaleureusement l’acquisition de cet album, d’un niveau exceptionnel, sans doute le meilleur enregistré à ce jour par Lucky Peterson.

 

Raphaël AUBIN (Bulletin du HCF 652 )