PRIX DU HOT CLUB DE FRANCE - JAZZ

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ECHOES 0F SWING   “4 JOKERS IN THE PACK”

(EOSP 4505 2, www.echoes.of.swing.de)

  Chronique publiée dans le Bulletin du HCF N° 566 (Novembre-Décembre 2007) p.21/22  

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 The Blues is my story

 Autoproduit

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The British Tours 1963-1966

Reelin’ in the Years Productions and Experience Hendrix

Tournée 1963: Keep It to Yourself (Sonny Boy Williamson), Got My Mojo Working (Muddy Waters), Too Late to Cry

(Lonnie Johnson), Baby Please Don’t Go (Big Joe Williams).

Tournée 1964 : Bye Bye Blackbird, Getting Out 0f Town (Sonny Boy Williamson), Come Go with Me, Lightnin’s Blues (Lightnin’ Hopkins), Baby What You Want Me to Do, Rock Me Baby (Sugar Pie Desanto), Smokestack Lightning, Don’t Laugh at Me (Howiin’ Wolf).

Tournée 1966: Oh Well Oh Well (Big Joe Turner), What’d I Say (Junior Wells).

Bonus (tournée 1964): You Can’t Lose What You Ain’t Never Had, Blow Wind Blow (Muddy Waters), Didn’t It Rain, Trouble in Mind (Sister Rosetta Tharpe).

Ce groupement d’interprétations filmées lors de tournées anglaises de l’American Folk Blues Festival fait suite aux trois recueils de 1’AFBF (cf. Bulletins 530 et 537) figurant au palmarès des Prix HCF 2004, ainsi qu’au recueil « Memphis Slim & Sonny Boy Williamson Live in Europe » (cf. Bulletin 539). Pour dissiper toute ambiguïté, précisons que ce nouveau DVD ne recoupe à aucun moment les précédents.

Les chanteurs-guitaristes sont ici à l’honneur. Big Joe Williams, débordant de naturel, martèle le sol du talon pour accompagner un vocal ardent et des solos non moins fougueux sur Baby Please Don’t Go, sa composition la plus réputée. A l’opposé, le placide Lonnie Johnson, à la voix sans aspérité, développe sur Too Late to Cry deux chorus de guitare raffinés dont les notes bien détachées contribuent à la netteté des lignes. Lightnin’ Hopkins traite avec brio Come Go with Me en rythme boogie, mais retient davantage encore l’intérêt par un blues lent chanté telle une complainte, avec une émotion qu’amplifie un jeu « low-down » aux multiples inflexions. Seul Howlin’ Wolf, à la guitare dans Don’t Laugh at Me, se contente d’arpéger les accords fondamentaux à la façon d’un bassiste (il laisse les solos à son brillant second Hubert Sumlin) dans une interprétation tendue, « hurlée » d’une voix rugueuse.

Parmi les chanteurs-harmonicistes, Sonny Boy Williamson l’emporte à l’applaudimètre. Il est vrai que le personnage cultive le pittoresque : il faut le voir entrer d’un pas indolent, melon sur la tête, sacoche à la main, parapluie au bras, s’attarder au micro le temps d’un thème et sortir du côté opposé. De ses longs doigts effilés il dissimule des harmonicas qu’il triture en tous sens pour en modifier les sons, en joue à l’occasion avec le nez ou sans utiliser les mains. Ses trois spécialités sont au nombre des moments forts du recueil tant sa partie vocale est nonchalante et sa partie d’harmonica souple, inventive, dédiée au swing par l’accumulation des effets rythmiques (riffs, traits incisifs, claquements de langue contre le micro suggérant des frappes de «tap dancer»). Howlin’ Wolf, dont le Srnokestack Lightnin’ est salué par des ovations, souffre évidemment du rapprochement avec Sonny Boy, mais compense la modestie de son jeu d’harmonica par une véhémence de « blues shouter » : l’interprétation, prise en tempo aisé, tangue sur place, ponctuée par un riff unique joué conjointement par le pianiste et le guitariste.

Au rang des chanteurs non instrumentistes, Big Joe Turner fait preuve de son assurance coutumière : au cœur du swing dès la première mesure, il balance 0h Well 0h Well avec une flamme communicative entretenue par le « shuffle » de Fred Below et ses relances en rafales. Même sans avoir pareil abattage, Sugar Pie Desanto se montre dynamique sur Baby What You Want Me to Do avant de détailler les paroles de Rock me Baby avec une espièglerie provocante. Privé de sa guitare, Muddy Waters propose de My Mojo une interprétation au climat inhabituel en raison d’accompagnateurs qui, à l’exception d’Otis Spann, ne font pas partie de son entourage familier: aussi est-ce le pianiste qui exécute les chorus — quasi immuables - réservés d’habitude à l’harmoniciste. Quant à Junior Wells, l’un des benjamins des tournées, il danse plus qu’il ne chante dans sa version de What’d I Say~ mais son impétuosité dans cette discipline inattendue ne manquera pas d’étonner.

Les prises du bonus proviennent d’une émission télévisée «The Blues and Gospel Train » tournée en 1963 près de Manchester. Il faut le professionnalisme de Muddy Waters et de Sister Rosetta Tharpe pour parvenir à s’imposer en dépit des conditions du concert : la scène est un quai de gare, les accompagnateurs sont regroupés à l’écart, le froid et la pluie s’en mêlent, contraignant Muddy et Sister Rosetta à jouer en manteau (sans perdre leur humour, Muddy termine par Blow Wind Blow et Sister débute par Didn’t It Rain !). Par chance, l’acoustique n’est pas hostile : la partie de guitare « slide » de Muddy Waters est même bien restituée.

L’ensemble de ce programme, d’une qualité d’image et de son inespérée, offre un précieux témoignage de ces tournées qui réveillèrent l’intérêt pour le blues en Europe. Aussi saluera-t-on sa parution sans réserve.

                                                                                                                                       Jacques Canérot

1 - Le livret hésite sur l’identité des accompagnateurs: « Cousin Joe Plea­sant Piano. Unknown: Bass. Unknown: Drums ». En fait, le pianiste est Otis Spann, le bassiste Ransom Knowling et le batteur Willie Smith (connu à l’époque sous le nom de Little Willie Smith, il était l’accompagnateur régulier de Muddy). Cousin Joe est bien au piano... mais seulement le temps de présenter Sister Rosetta: avant comme après, il se balance sur scène dans un rockin’ chair (il est filmé parfois en gros plan et Sister le salue d’un cordial « Brother Joe! »).

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I John, Great Jehovah / I believe I’ll go back home, Down by the riverside, Just a little walk with Jesus, Jesus met the woman at the well, Lord don’t leave me, Looking for my shep­herd, Old ship of Zion, I got good religion, Shine on me, Walk by faith, You hear the lambs crying, There must be a city, I’ve got a new home, I was there when the spirit came.

Ce nouveau groupe proposé par Willie Leiser, expert acharné et vigilant, tournera en Europe en fin d’année 2007. Il s‘agit d’un quintette vocal s’exprimant sans le moindre accompagnement instrumental, il se compose des quatre frères Turner, Willie, le directeur et ténor, Andrew et Melvin, barytons, Calvin, basse, rejoints par un autre baryton, Clarence Langston. Les Harmony Harmoneers, originaires d’Atlanta, Georgia, fonctionnent depuis une trentaine d’années.

L’album s’ouvre sur I John conduit par Willie Turner à qui ses partenaires fournissent un fond sonore subtilement harmonisé, d’une cohésion et d’une variété remarquables, proposant un riff ou une réplique en contre-chant, toujours avec un tonus rythmique stimulant. Great Jehovah, d’abord hors tempo, impressionne par sa précision et son articulation, puis s’enchaîne et se termine en tempo d’une dilatante souplesse sur I believe I’!! go back home. Comme précédemment, la voix vibrante d’Andrew Turner mène Lord don’t leave me, hors tempo, cependant que le groupe le soutient avec la plénitude des voix sonnant souvent comme un orgue. Le même conduit magistralement Shine on me, autre morceau hors tempo.

L’originalité et la science de l’harmonisation du groupe apparaissent pleinement lorsqu’il s’empare d’un gospel très connu, tel Down by the Riverside, où l’ensemble et le soutien rythmique s’imposent superbement. De même, on admire dans Just a little walk with Jesus ou Looking for my shepherd ou I’ve got a new home l’influx rythmique et la combinaison des voix d’une intense beauté. En réalité, toutes les plages réservent quelque motif d’étonnement. Le morceau le plus long, You hear the lambs crying, s’étend sur six minutes, il débute sur tempo très lent en détaillant les paroles avec une précision méticuleuse et, insensiblement, il se met à swinguer de façon irrésistible. Dans la plupart des titres le leader se trouve être soit Willie, soit Andrew Turner, ce dernier possède une voix plus éclatante.

Ces Harmony Harmoneers, chantant a cappella, ne présentent évidemment pas l’impact, la force de frappe des New Spirit ou des Victory Singers qui subjuguent leurs publics, mais ils opèrent dans un registre confidentiel qui offre une musique d’une beauté rare.

  André Vasset

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Le talent exceptionnellement prometteur de ce jeune pianiste tire de plus en plus l’attention des amateurs. Le présent album vient confirmer brillamment cette impression alléchante. Son enregistrement eut lieu le 21 avril 2005 à La Nouvelle-Orléans alors que l’orchestre des New Bumpers participait au French Quarter Festival. Julien Brunetaud joue en solo ou accompagné par ses fidèles Sébastien Girardot (b) et Guillaume Nouaux (d) joints parfois par Paul Chéron.

Signalons tout d’abord une erreur importante dans le programme qui annonce 11 plages alors que le CD en comporte 12. La plage 2, Your choice, a été oubliée ce qui décale toutes les suivantes, en conséquence Boogie for my friends annoncé sur la page 2 se trouve en réalité sur la plage 3 et ainsi de suite jusqu’à Newtown boogie donné en position 11 au lieu de 12!

Le disque s’ouvre sur un exaltant Orleans Street boogie, le piano démarre sans tergiverser sur tempo vif puis le ténor de Paul Chéron riffe sur un chorus et poursuit avec quatre chorus d’un direct particulièrement efficace. Julien Brunetaud propose ensuite un long solo d’une souplesse étonnante; sur une partie main gauche ferme et précise, il aligne des phrases excitantes avec une spontanéité et une aisance admirables. Le même groupe intervient sur trois autres plages. Dans Your choice, la plage 2 clandestine, Julien swingue au piano et de surcroît chante avec un dynamisme et un naturel assez estomaquant. Paul Chéron reste impeccable en contre-chant et en solo. Il s’exprime aussi longuement dans Rampart rip off en tempo moyen sur lequel le piano joue avec un profond feeling sur la pulsation stimulante un tandem basse-batterie. Dans le blues lent de Wynonie Harris, Time to change your town, Julien Brunetaud chante les paroles anachroniques avec conviction en se fournissant une émouvante partie de piano dans les deux premiers chorus, appuyé dans le deuxième par un discret contre-chant du ténor qui ensuite prend un chorus éloquent avant le dernier chorus chanté.

Julien Brunetaud reste absolument seul dans quatre plages. En tempo moyen Boogie for my friends se déroule de manière agréablement détendue et passionnante. Look like twins, blues très lent, dégage une intense émotion aussi bien par le vocal que par le piano d’un accent authentique. Hootie blues, blues semi-lent, fredonné puis chanté avec nonchalance et feeling, montre que notre homme a parfaitement capté l’esprit de cette musique. Et il nous signale aussi dans son jubilant Russian rag qu’il ne faut surtout pas le cantonner exclusivement dans le répertoire blues-boogie.

Dans les quatre plages restantes Sébastien Girardot et Guillaume Nouaux reparaissent aux côtés de Julien Brunetaud pour apporter un soutien de qualité. La musique va couler avec facilité aussi bien dans le ique Things ain’t what they used to be que dans la musique de teinte néo-orléanaise de Mardi Gras for Cyrine ou bien encore dans Newtown boogie, joyeusement enlevé, ou enfin dans Aladdin boogie, ce dernier chanté en évoluant sur un obsédant motif de basses.

Julien Brunetaud. Notez ce nom voilà un jazzman dont nous reparlerons !

      André Vasset

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Chronique publiée dans le Bulletin du HCF  N° 565 (Octobre 2007) p.17/18

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Chronique publiée dans le Bulletin du HCF N° 566 (Nov-Déc 2007, p. 13,14)

Frémeaux publie deux CD précieux à vocation pédagogique différant de la production courante et s’adressant aux amateurs désireux de parfaire leurs connaissances. Le plus souvent, le public apprécie la musique en ignorant les détails de sa structure et de son fonctionnement, mais l’amateur passionné cherchera à approfondir la question aussi l’initiation proposée est-elle bienvenue. D’autant qu’elle a été confiée à Jacques Morgantini qui explique toutes les nuances avec sa maestria habituelle. Frémeaux ne pouvait trouver meilleur guide.

Bien sûr, il ne suffira pas de lire en vitesse les explications du très copieux livret et d’écouter de même les plages du CD pour devenir un spécialiste. Il faudra prendre le temps d’assimiler ces subtilités pour ensuite profiter pleinement de la musique en l’écoutant encore mieux.

SAVOIR ÉCOUTER LE BLUES

(Frémeaux & Ass FA 5181)

La musique et le chant permirent aux Noirs déportés en Amérique d’échapper quelque peu à leur funeste condition. Insensiblement, sous diverses influences, ils créèrent leur propre musique d’où se dégagea une forme privilégiée. Colportée par tradition orale, aucune règle n’étant fixée, chaque interprète pouvait l’adapter à sa guise. Ainsi, les faveurs de la communauté allèrent à une structure de 12 mesures bâtie sur une « séquence harmonique quasiment miraculeuse » : trois phrases de 4 mesures, la première répétée une seconde fois avant une troisième en conclusion, schématiquement AAB.

Le tour d’horizon débute donc par cette forme ique de 12 mesures avec en exemples Baby dont tell on me et 60m’ ta Chicago blues de Count Basie chantés pas Jimmy Rushing et Double trouble blues de Hot Lips Page. Dans chacune des phrases de 4 mesures, le vocal n’occupe pas toute la place, une réponse instrumentale vient le prolonger. Lorsque ces blues se déroulent sur tempo lent; on note qu’une pause intervient au cours de chaque phrase chantée

Train tare home de Muddy Waters, Hello Central de Lightnin’ Hopkins, So blue blues de T-Bone Walker, Harvard blues de Count Basie chanté par Jimmy Rushing.

Les blues à refrain apportent une variante : les quatre premières mesures (couplet) changent à chaque chorus, alors que les huit autres (refrain) se répètent. Souvent ces blues comportent des passages avec breaks solo ainsi qu’on l’entend dans les titres venant en exemples You ain't so much a much et Bachelor’s blues de Cousin Joe, The Lady in bed de Lips Page. En fait, le bluesman peut ne pas recourir aux breaks solo et donc chanter en continu : Just a dream de Big Bill Broonzy, Stop breaking down de Sonny Boy Williamson. Il peut aussi modifier l’importance du couplet et le porter à 8 mesures : I’m not the lad de Washboard Sam, Railroad porter blues d’Eddie Vinson.

Quelques fois, le blues adopte une structure de 8 mesures, la première phrase n’étant pas répétée (donc AB) selon le modèle de How long how long blues de Leroy Carr et Nobody in mind de Big Joe Turner. Là encore, la phrase B peut devenir un refrain comme dans le fameux Torride Lite blues de Big Maceo. Sont également évoqués le blues de 16 mesures, le blues dédoublé avec Stump blues de Big BilI Broonzy en exemple, et aussi les formes plus complexes tel Saint Louis blues, de Bessie Smith, qui comporte trois thèmes : un ique blues de 12 mesures chanté deux fois, un thème de 16 mesures et un second blues de 12 mesures diffèrent du premier.
Le CD se termine avec Bottom blues d’Albert Ammons dans lequel apparaissent en solo. Vic Dickenson et Hot Lips Page qui jouent le blues de façon empoignante alors que leur collègue Don Byas, pourtant éminent jazzman, ne possède pas l’accent ni le feeling. 

 (André Vasset)

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Chronique publiée dans le Bulletin HCF N° 566 (Nov-Déc 200) p.14/15

  Frémeaux publie deux CD précieux à vocation pédagogique différant de la production courante et s’adressant aux amateurs désireux de parfaire leurs connaissances. Le plus souvent, le public apprécie la musique en ignorant les détails de sa structure et de son fonctionnement, mais l’amateur passionné cherchera à approfondir la question aussi l’initiation proposée est-elle bienvenue. D’autant qu’elle a été confiée à Jacques Morgantini qui explique toutes les nuances avec sa maestria habituelle. Frémeaux ne pouvait trouver meilleur guide.
Bien sûr, il ne suffira pas de lire en vitesse les explications du très copieux livret et d’écouter de même les plages du CD pour devenir un spécialiste. Il faudra prendre le temps d’assimiler ces subtilités pour ensuite profiter pleinement de la musique en l’écoutant encore mieux.

SAVOIR ÉCOUTER LE JAZZ
(Frémeaux & Ass FA 5182)

Cette initiation à l’écoute du jazz sera appréciée aussi bien par l’amateur nouveau venu que par celui qui jusque-là s’est contenté d’une écoute bienveillante mais superficielle. En douze pages du livret, Jacques Morgantini fournit l’essentiel des bases indispensables. Après avoir évoqué les origines du jazz, ses caractéristiques (rythme, mélodique, swing, improvisation), la composition et le fonctionnement d’un orchestre, le professeur entre dans les détails et en arrive aux travaux pratiques. Les enregistrements alignés sur le CD illustrent chacun des points examinés.

Les commentaires et l’écoute débutent avec le Nouvelle-Orléans et l’improvisation collective sur e modèle de Gettysburg March de Kid Ory. Pour la même rubrique, dans un registre magistral, Louis Armstrong intervient avec l’éblouissant Potato head blues et son fameux stop chorus ; ensuite se trouve un moment rare d’improvisation à cinq avec Oh Didn’t He Ramble de Jelly Roll Morton.

Très rapidement les grands orchestres se multiplièrent et nécessitèrent le recrutement d’un arrangeur pour organiser la musique des différentes sections où vont s’insérer les interventions des solistes. Duke Ellington se révèle un maître dans l’art de modeler la matière sonore, exemple Dusk.

Il convient de rappeler que, dans les années 20, les interprétations étaient souvent plus élaborées qu’elles ne le devinrent ensuite. Outre le refrain, les musiciens utilisaient alors fréquemment le couplet (verse), pratique qui a quasiment disparu. De surcroît, il n’était pas rare que plusieurs thèmes se succèdent dans un même titre. Par ailleurs, il faut noter également que des procédés typiques sont tombés en désuétude : stop chorus, interlude, breaks... A propos du recours aux breaks (phrases jouées sans accompagnement) qui pimentent de manière excitante les interprétations, plusieurs exemples sont proposés C Jam blues de Duke Ellington, Kaiser’s last break de Mezzrow-Bechet, The King de Count Basie, Bye and bye de Louis Armstrong, Star dust de Lionel Hampton, Wild Man blues de Sidney Bechet.

Les interprétations sont basées sur un thème à partir duquel se développe l’improvisation en respectant la structure harmonique. Certains morceaux comportent plusieurs thèmes tel Black and tan Fantasy de Duke Ellington (thèmes de 12, 16 et 12 mesures). Les morceaux les plus communément employés, outre le blues, sont les thèmes de 32 mesures avec pont (AABA) : Doggin’ around et Rock-a-bye Basie de Count Basie, Wednesday night hop d’Andy Kirk, Christopher Columbus de Fletcher Henderson, Riding on 52nd Street de Coleman Hawkins (ce dernier titre utilise exceptionnellement le couplet). Il existe bien d’autres formes, notamment des 16 mesures avec pont (Dusk et Stompy Jones de Duke Ellington), des 32 mesures sans pont (Sidewalks of New York et Margie de Duke Ellington), des 16 mesures sans pont (Portrait al the Lion de Duke Ellington), des 16 mesures avec queue (Baby won’t you please come home de Louis Armstrong), etc.

Les informations brillamment prodiguées par Jacques Morgantini dans le livret (notamment le déroulement de chacun des enregistrements est minutieusement détaillé) mises en lumière par la musique du CD feront forcément progresser l’amateur dans sa connaissance du jazz.

 André Vasset                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                       

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par Eddy DETERMEYER

The University of Michigan Press, 2006. (23,5 x 16 cm).

331 pages. 26 photos noir & blanc hors texte. Relié avec jaquette. En anglais.

ISBN 0-472-11553-7

Chronique publiée dans le Bulletin du HCF N° 562 (Juin 200) p. 27-30

Eddy Determeyer, journaliste et homme de radio d’origine néerlandaise, consacre un passionnant ouvrage au parcours et à l’oeuvre d’un des plus prestigieux orchestres de l’histoire du jazz. Disposant d’une masse impressionnante d’archives, de documents et de témoignages, l’auteur retrace avec minutie la vie de Jimmie Lunceford (1902-1945) et des musiciens qui l’ont accompagné tout au long de sa carrière. Il analyse également les enregistrements les plus importants et dresse, en fin de volume, une précieuse discographie qui fournit à l’amateur dates, lieux, personnels, éditions originales et rééditions (LP et CD).

Notes et index complètent comme il se doit cette biographie de Lunceford qui « propose une vue particulièrement complète du monde de ce personnage unique en rassemblant de multiples témoignages, anecdotes et opinions... Un livre essentiel absolument remarquable ».                                                                       

                                                                                   Alain Carbuccia